El Blog Del Jazz

Crítica de Radiolarians: The Evolutionary Set, de Medeski, Martin & Wood

2011-02-14T22:03:00.000-08:00

Medeski, Martin & Wood.
RADIOLARIANS: THE EVOLUTIONARY SET.
Indirecto.
Edición: 24 Noviembre 2009.
Estilo: Jazz-Funk; Jazz De Vanguardia; Post-Bop; Soul Jazz; Post-Rock; Jazz Modal; Nu-Pop; Nu-Rock; Downtempo; Electrónica Experimental.

Entre Septiembre del 2008 y Agosto del 2009, Medeski, Martin & Wood presentó una trilogía denominada Radiolarians. Además de ser un periodo especialmente creativo ―tres álbumes de estudio en once meses―, el tríptico se caracterizó por darle la vuelta al modo tradicional de grabación. En este caso, el trío estadounidense compuso los temas, los interpretó y desarrolló en una serie de actuaciones, y finalmente entró al estudio para grabarlos. De modo que no emprendía una gira tras la edición de un disco, sino que lo grababa tras la gira. Posiblemente sea el método menos aconsejable desde un punto de vista comercial, pues ya se sabe que los conciertos son una de las mejores promociones, que se suelen realizar con el nuevo trabajo bajo el brazo, pero claro, esas cuestiones le importaban bastante poco a Medeski, Martin & Wood. Aunque no se sabe hasta qué punto el modo de grabación influyó, el resultado fue una estimulante trilogía, tres de las obras más aventuradas, experimentales e imaginativas de la discografía de un trío que se caracteriza precisamente por esos tres elementos. Fueron también tres de los álbumes más libres, eclécticos e imprescindibles de sus casi dos décadas de trayectoria, de modo que no fueron pocos los críticos que los consideraron también los mejores.

Para celebrar la entusiasta acogida de su trilogía o, sencillamente, la culminación de tan ambicioso proyecto, Medeski, Martin & Wood decidió proponer esta antología, Radiolarians: The Evolutionary Set. En teoría, debería haber sido la clásica edición de lujo pensada para incondicionales y coleccionistas. Y sí, eso es, pero no solamente. El material añadido es tan abundante y tan interesante que esta referencia acaba por ser igualmente necesaria. Incluye los tres álbumes, Radiolarians I (Red Ink Records, 2008), Radiolarians II (Red Ink Records, 2009) y Radiolarians III (Red Ink Records, 2009), y en los tres casos añade un tema adicional. También figuran dos LPs dobles con una selección de las piezas de los tres discos. Si se hubiese quedado en eso, sí sería únicamente una edición de lujo pensada para los más fieles seguidores, pero también incluye un cuarto CD con temas grabados en directo, un recopilatorio de remezclas y, finalmente, un DVD con un amplio e interesantísimo documental dirigido por Billy Martin. Comprendo que para los que adquiriesen en su momento cada uno de los álbumes de estudio, hacerse después con este set es exigir un esfuerzo quizá excesivo, pero es que sólo por esos dos CDs adicionales ya se justifica su compra. Es una pena que no se editasen individualmente.

Dado que los álbumes de estudio fueron grabados tras un largo periplo concertístico, el directo inmortalizado en el cuarto disco no ofrece una experiencia musical muy diversa. Ahora bien, Medeski, Martin & Wood no es un grupo que se contente con interpretar los temas como los grabó, entre otras cosas porque la improvisación juega un rol determinante en su concepción de la música. De modo que sí, es enriquecedor, otra entrega de la ilimitada imaginación del trío, de su capacidad para integrar cuanto estilo le interese en un contexto caracterizado más por el carácter vanguardista que por un determinado lenguaje. Finalmente, el recopilatorio de remezclas es un interesantísimo complemento. Es una pena que no acudiese más frecuentemente a otros grupos y artistas para que reinterpretasen sus temas, porque son tan atractivos, tan ricos, que dan mucho juego en manos creativas. Hasta entonces sólo había propuesto una referencia similar, Combustication Remix (Blue Note, 1999), pero el quinto disco aquí incluido es más generoso en lo que a remixes respecta. Como era de esperar, lo que escuchamos es una colección de versiones que oscilan entre la electrónica experimental y un más accesible downtempo, pero casi siempre decantándose por el lado vanguardista e imprevisible. Eso sí, el gran acierto es el de Danny Blume remezclando Undone, una compleja pero memorable pieza de electro-rock que podría causar sensación, en el contexto adecuado, en determinados clubs.

En conjunto, Radiolarians: The Evolutionary Set es una intensa y casi agotadora experiencia. Un regalo caro pero que merece la pena.

Este es el tracklist:

Disco 1:

First light.
Cloud wars.
Muchas gracias.
Professor nohair.
Reliquary.
Free go lily.
Rolling son.
Sweet pea dreams.
God fire.
Hidden moon.
Incantation.

Disco 2:

Flat Tires.
Junkyard.
Padrecito.
Ijiji.
Riffin’ Ed.
Amber Gris.
Chasen Vs. Suribachi.
Dollar Pants.
Amish Pintxos.
Baby Let Me Follow You Down.
Clifton.

Disc 3:

Chantes Des Femmes.
Satan Your Kingdom.
Kota.
Undone.
Wonton.
Walk Back.
Jean’s Scene.
Broken Mirror.
Gwyra Mi.
Satan Part II.

LP 1:

Amber Gris.
Amis Pintxos.
undone.
Reliquary.
Junkyard.

LP 2:

Chasen Vs. Suribachi.
Walk Back.
Free Go Lily.
Hidden Moon.
Padrecito.

Disco 4:

Chasen Vs. Suribachi.
Dollar Pants.
Amish Pintxos.
Walk Back.
Junkyard.
Gwyra Mi.
Flat Tires.
10 Minutes Of Our Lives.

Disco 5:

Undone (Undone D-Mix Remixed by Danny Blume).
Flat Tires (Remixed by DJ Logic).
Chasen vs Suribachi (Produced by Mister Rourke).
Kota (Remixed by Dan the Automator).
Rolling Son (Remixed by DJ Olive).
Free Go Lily (Produced by DJ Spooky).
Flat Tires (Produced by DJ Spooky).
Junkyard (Remixed by Scotty Hard).
Chasen vs Suribachi (Remixed by Mat Young, RPM).
Reliquary (Qubti Mataraqah Produced by Mutamassik).

DVD:

Documental.

V Premios Acid Jazz Hispano 2009: Los Ganadores

2010-03-12T08:49:00.001-08:00

Ya conocemos los ganadores de la quinta edición de los Premios Acid Jazz Hispano, cuyo plazo para votar acabó el 2 de Marzo del 2010. El principal triunfador de los V Premios Acid Jazz Hispano 2009 es el grupo venezolano Los Amigos Invisibles, que obtiene cuatro premios, incluyendo los dos más importantes, mejor álbum y mejor artista del año, además del de mejor tema, por Viviré para ti, que figura en el disco ganador, Commercial. También han ganado, en las diversas categorías, Havana Cultura: New Cuba Sound, compilada por Gilles Peterson; el sello Freestyle Records; el grupo revelación Los Fulanos; la sala Boogaclub; la revista Soul Nation; el festival Imágina Funk 2009; el pinchadiscos Sr. Lobo; Fundación Tony Manero... Felicidades para el resto de premiados y para todos los que estuvieron nominados. Ver ganadores.

Crítica de Smile, de Skeletons

2010-03-12T08:47:00.000-08:00

Skeletons.

SMILE.

Impossible Ark Records/ Unfold Records. (UNFOLDCD010)

Edición: 1 Marzo 2010.

Estilo: Afro-Jazz; Afro-Funk; Nu-Jazz.

Interesará a…: los que crean en el (buen) collage musical.

Aunque tras escuchar su álbum debut, Smile, resulta difícil creerlo, Skeletons no es el nombre de una banda de jazz de Etiopía o algún otro país africano, sino un curioso proyecto del británico Benedic Lamdin, que seguramente te suene por su nombre artístico Nostalgia 77 (altamente recomendado seguir sus aventuras en Tru Thoughts). Quiere eso decir que este disco fue enteramente creado por él en su estudio, a partir de grabaciones no empleadas en sus álbumes o en los de los artistas que produjo. Es un ambicioso collage musical que aprovecha el enorme disco duro del que debía disponer por entonces, todas aquellas grabaciones que recopiló de los músicos que pasaron por su estudio pero que finalmente no fueron utilizadas. Es una obra, en definitiva, que convierte la papelera de reciclaje en material creativo. Otro artista hubiera borrado hace tiempo todos esos archivos sobrantes, pero no un trabajador nato como Benedic Lamdin. Basta repasar su discografía, desde que debutó en el 2002 hasta el momento de la edición de Smile, para darse cuenta de que el británico había pasado mucho tiempo en su estudio, casi siempre rodeado por otros intérpretes. Además de sus creaciones como Nostalgia 77, que por entonces sumaban ya siete LPs, había producido a Lizzy Parks, y había participado, como ingeniero, productor, o ambas cosas, en cada una de las referencias del sello que codirigía, Impossible Ark Records, incluyendo el personal álbum Strange Faith And Practice (2009), de Jeb Loy Nichols. Y aún así había encontrado tiempo para colaborar con Natural Self en The Broken Keys. Pues bien, dado que la mayor parte de esos discos eran de índole jazzística, grabados gracias a la participación de numerosos intérpretes, es inevitable que su estudio casero estuviese repleto de fragmentos instrumentales.

Entre la gestación de ambiciosos álbumes, como su colaboración con Keith y Julie Tippet en Nostalgia 77 Sessions Featuring Keith & Julie Tippet (2009), y sus múltiples aportaciones para los trabajos de otros artistas, es comprensible que Benedic Lamdin sintiese la necesidad de relajarse, y lo que él hacía para despejar su mente era seguir frente a la pantalla del ordenador, hurgar en la carpeta de descartes e ir creando temas como si de un puzzle/ collage musical se tratase. Dado que disponía de patrones rítmicos, metales, cuerdas…, en definitiva, una gran librería de fragmentos instrumentales, le bastaba con aplicar su talento y experiencia para ir dando forma a piezas de jazz de influencia africana. Es un proceso cercano al corta y pega de samples, pero sin serlo estrictamente, pues aunque ningún músico grabó expresamente para Smile, tampoco empleó fragmentos musicales ajenos o que hubiesen figurado antes en otro disco, de modo que no puede hablarse de sample. Lo seguro es que sí retoma el modo de producción del nu-jazz, de la electrónica en general, pues se trataba de combinar pasajes instrumentales con la ayuda de un software. En cierto modo, para Benedic Lamdin debió de suponer un retorno a sus inicios, pues así concibió sus dos primeros álbumes, los interesantísimos Songs For My Funeral (Tru Thoughts, 2004) y The Garden (Tru Thoughts, 2005).

No obstante, el resultado es muy distinto al de esos dos trabajos o al de cualquier disco de la esfera nu-jazz. No tiene que ver con la estética electrónica, pues sí empleó el proceso creativo del género pero no elementos electrónicos, y sí suena, en cambio, como lo haría un grupo de jazzmen que interpretase música conjuntamente. Al escuchar piezas como Positive Force, Over The Bridge o Mulatu (seguramente dedicado a un referente obvio, Mulatu Astatke), asombra que fuesen construidas por una sola persona en la soledad de su estudio, sin que intervengan instrumentistas que interaccionen entre sí. Ese proceso casi mágico alcanza el más difícil todavía con el maravilloso corte final, Adam And Eve, en el que Benedic Lamdin/ Skeletons suma un componente más, la voz de la gran Alice Russell. Al estar presentada su participación como “the voice of” (la voz de), es de suponer que la cantante británica no grabó ese fragmento vocal expresamente para Smile, sino que ese es otro de los descartes hábilmente rescatados.

Una consistente sorpresa.

Este es el tracklist del CD:

1. Positive Force.

2. Marathon Man.

3. Mr Mystery.

4. 50 Degrees.

5. Gravel.

6. Firesticks.

7. Over The Bridge.

8. Skeletons.

9. Guadelupe.

10. Mulatu.

11. Blood.

12. Adam And Eve feat. the voice of Alice Russell.

Duración total: 44:35

9/10

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Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

Soulive

2010-03-12T08:44:00.000-08:00

Soulive es un conjunto estadounidense formado por los hermanos Alan Evans (batería) y Neal Evans (órgano Hammond) y por Eric Kasno (guitarra). La estructura, el núcleo, es la de un trío de órgano al estilo clásico, pero su propuesta no tiene nada de retro, pues su propósito es justamente reinterpretar sus influencias clásicas desde una perspectiva innovadora y renovadora. Tiene tanto de tradición como de modernidad, tanto de aroma clásico como de ruptura. Del mismo modo que atrae a los amantes de la música de Prestige Records o Blue Note de los años 60/70, es decir, la de artistas como John Patton, Grant Green, Jimmy McGriff o Jimmy Smith (influencias evidentes del trío que nos ocupa), también encuentra su público entre los que ignoran los hallazgos de estos grandes del jazz pero sí aprecian el hip hop, las jam bands o, de manera más amplia, las nuevas tendencias en materia de música negra. La música de Soulive es como tomar el soul jazz y el jazz-funk clásicos e incorporarle la actitud del jazz fusión de los 70, pero pasado por el hip hop instrumental de The Roots, la compenetración y sentido de la aventura de Medeski, Martin & Wood, el neo-soul de D’Angelo, el toque funky-lúdico de John Scofield y el carácter bailable y energético del acid jazz de Groove Collective. Se pueden sustituir estas comparaciones por otras similares, pero lo esencial es que Soulive es uno de los tríos más estimulantes y recomendables de la escena negra contemporánea, que ha reescrito el trío de órgano clásico. De hecho, ni siquiera se ha limitado siempre a ese formato, pues regularmente ha incorporado vocalistas, secciones de metales e, incluso, un puntual cuarto miembro, el saxofonista Sam Kininger. Los propios interesados reconocen su variedad estilística: “jazz, hip-hop, rock, soul, funk, R&B, blues – musicalmente hablando, no hay mucho que la banda no haya hecho”. Imprescindible.

Soulive se formó en Marzo de 1999, cuando los tres miembros se reunieron por primera vez en un estudio casero y grabaron varios temas para lo que, originalmente, iba a ser una demo. [Antes de eso, los hermanos Evans habían formado parte del grupo Moon Boot Lover (Alan había sido también colaborador de The Greyboy Allstars) y Krasno había creado el grupo Lettuce]. Esas primeras grabaciones, no obstante, acabaron recopiladas en su álbum debut, Get Down!, editado en 1999 por Velour Recordings. Le siguió, un año después, el segundo trabajo de estudio, Turn It Out, también para Velour Recordings, con Sam Kininger, John Scofield y Oteil Burbridge como invitados. Debido a la repercusión de esta segunda referencia, Bruce Lundvall fichó al trío para Blue Note, de modo que “se unió al rango de Miles Davis, John Coltrane, Jimmy Smith, Wayne Shorter y Grant Green”, además de incorporarse al sello justo cuando éste ampliaba su nicho de mercado gracias al éxito de Norah Jones. En Blue Note editó tres álbumes: Doin’ Something (2001), Next (2002) y el directo Soulive (2003), recopilados, en el 2005, en Steady Groovin’. Entre tanto, su primera discográfica, Velour Recordings, sumó una nueva referencia a su discografía, el recopilatorio de remezclas Turn It Our Remixed (2003). En el 2005, debutaba en Concord Records con el álbum de estudio Break Out y, en el 2007, se convirtió en el primer grupo en incorporase a la nueva etapa del reactivado sello Stax Records. Con No Place Like Soul, añadía su nombre a un catálogo que incluye las obras de Isaac Hayes, Sam And Dave u Otis Redding, entre otros grandes. A finales del 2009, como celebración de su décimo aniversario, inauguró su propia discográfica, Royal Family Records, con la edición de su séptimo álbum de estudio, Up Here, licenciado, para el Reino Unido y Europa, por Freestyle Records. Un mes antes, presentó, digitalmente, el directo Live In San Francisco.

A lo largo de su carrera, y sin contar los diversos proyectos o aventuras en solitario de los tres miembros, Soulive ha colaborado con multitud de destacados artistas. Ha compartido estudio con Chaka Khan, Dave Matthews, Talib Kweli, Black Thought (de The Roots), Amel Larrieux, Corey Glover (de Living Colour), Reggie Watts, Ivan Neville, Toussaint, The Shady Horns o Nigel Hall, ha sido telonero de The Rolling Stones o Maceo Parker, ha compartido gira con Stevie Wonder, ha sido remezclado por DJ Spinna o DJ Krush y ha desarrollado relaciones musicales con Derek Trucks, Susan Tedeschi, Robert Randolph, Joshua Redman, Kenny Garrett, Fred Wesley o The Roots, entre otras propuestas.

V Premios Acid Jazz Hispano 2009: ¡Las nominaciones!

2010-02-08T10:00:00.001-08:00

Un año más, y ya son cinco, es un placer para nosotros organizar los Premios Acid Jazz Hispano, un evento al que, de nuevo, está invitada toda la buena música. Pretendemos premiar algunas de las propuestas más interesantes del 2009 en toda una serie de categorías, incluyendo las estrictamente discográficos pero también todas aquellas relacionadas con el mundo de la música. De nuevo, ampliamos el número de categorías, aunque esta vez únicamente sumamos una más, la correpondiente a mejor disco autoeditado, que sometemos a votación por primera vez, pues el año anterior el ganador fue designado por la redacción de Acid Jazz Hispano. Por último, por segunda vez desde que instauramos los premios, las nominaciones han sido determinadas a partir de los votos de los miembros de la redacción de la web, de modo que esta vez sólo os pedimos un esfuerzo, que es el de votar a vuestros favoritos de la lista de nominados. El plazo para votar en los V Premios Acid Jazz Hispano acaba el 2 de Marzo del 2010, éste incluido, de modo que ya podéis echar un vistazo a los nominados y votar por vuestros favoritos aquí. Recuerda que para votar necesitas estar registrado, cosa que puedes hacer en dos minutos aquí. Ver nominaciones.

Crítica de You’re Under Arrest, de Miles Davis

2010-02-08T09:57:00.000-08:00

Miles Davis.
YOU’RE UNDER ARREST.
Columbia Records/ Sony Music.
Edición: 1985.
Estilo: Fusión; Jazz-Rock.
Interesará a…: los que quieran descubrir el lado ‘popero’ de Miles Davis.

No es You’re Under Arrest uno de los álbumes clave de la discografía de Miles Davis. Tampoco es de los más afortunados de su segunda etapa discográfica, la iniciada a principios de los 80, pero como ocurre con todos los discos que tienen su nombre en la carátula, incluye momentos notablemente interesantes y, en conjunto, merece la pena. Es irregular, como casi todas las obras que grabó en esa década, pero ésta tiene la particularidad de ser una de las más recordadas y populares, aunque no exactamente por motivos artísticos. Su importancia reside en la presencia de hasta tres versiones de piezas de éxito en la esfera pop/ urban: Human Nature, cantada por Michael Jackson, una de las nueve joyas que componen la edición original de Thriller (Epic, 1982); Something’s On Your Mind, interpretada por D Train para el álbum homónimo de 1984; y Time After Time, uno de los dos hits que suenan en She’s So Unusual (Sony Music, 1984), el debut de Cindy Lauper. Con la perspectiva del tiempo esta decisión no resulta tan llamativa, pero que Miles Davis, el más destacado jazzmen del siglo XX, se fijase en dos de los temas de mayor éxito de los editados recientemente, no deja de ser digno de mención.

No sé si fue fruto de un detenido estudio, de una comprensible intención de resultar más comercial o, sencillamente, producto de esas prodigiosas intuiciones que tienen los grandes artistas, pero Miles Davis acertó con esas versiones. Indudablemente, Human Nature es la elección estrella del repertorio, pero desde el punto de vista artístico resultan más interesantes Something’s On Your Mind y, sobre todo, Time After Time. ¿Quién iba a pensar que iba a grabar una balada tan atractiva a partir de un hit pop tan inofensivo? El original, a pesar de que, por su producción, envejece rápidamente, es una buena composición, pero es que la melodía funciona sorprendentemente bien convertida en una balada jazzística. Definitivamente, un gran acierto. No obstante, las versiones son sólo una parte de You’re Under Arrest. La más recordada, desde luego, pues incluso retomó Human Nature y Time After Time en sus directos, pero no acaba ahí el atractivo del disco. Por lo pronto, aquí Miles Davis sí era de nuevo el gran intérprete que siempre había sido antes de su retiro, así que sus solos, junto con los de los dos guitarritas, John McLaughlin y John Scofield, y los de Bob Berg, son dignos de ser escuchados atentamente. Todos estuvieron mejor en otras sesiones de grabación, pero aún así un oyente atento sacará provecho de las interpretaciones aquí desarrolladas. Finalmente, el uso de los sintetizadores, cortesía de Robert Irvin III, pero también del propio Davis, es también acertado.

Créditos:
Miles Davis: trompeta, sintetizador, producción, diseño.
John McLaughlin: guitarra.
John Scofield: guitarra.
Bob Berg: saxo soprano, saxo tenor.
Al Foster: batería.
Vince Wilburn, Jr: batería.
Robert Irvin III: sintetizadores, celesta, órgano, clavinet, producción.
Darryl Jones: bajo.
Steve Thorton: percusión, voz en español.
Sting: voz policía francés.
Marek Olko: voz polaca.
James Prindiville: efectos de sonido.
Dr. George Butler: productor ejecutivo.
Ron Lorman: ingeniero.
Tom Swift: ingeniero, mezcla.
Bob Ludwig: masterización.

Este es el tracklist del CD:

One Phone Call/ Street Scenes. 4:34
Human Nature. 4:30
Intro: MD 1/ Something’s On Your Mind/ MD 2. 7:17
Mr. Morrisine. 4:57
Katia Prelude. 0:40
Katia. 7:37
Time After Time. 3:37
You’re Under Arrest. 6:14
Medley: Jean Pierre/ You’re Under Arrest/ Then There Were None. 3:23

Duración total: 39:26

7,5/10

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Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

Crítica de Vertov, L’uomo Con La Macchina De Presa

2010-01-13T12:07:00.000-08:00

Buscemi & The Michel Bisceglia Ensemble.
VERTOV, L’UOMO CON LA MACCHINA DE PRESA.
Prova Records. (PR 0904-CD8)
Edición: 12 Mayo 2009.
Estilo: Jazz; Música De Cámara; Nu-Jazz; Electrónica; Downtempo; Electro-Tango.
Interesará a…: los que aprecien una banda sonora atrevida.

Por iniciativa de Beurschouwburg, asociación, posiblemente belga, de la confieso que no tengo información alguna, Buscemi y Michel Bisceglia compusieron una banda sonora para el documental soviético El hombre con la cámara, dirigido por Dziga Vertov en 1929 y considerado como uno de los imprescindibles de la cinematografía mundial. Es uno de los grandes exponentes del movimiento Kino-Pravda, que puede traducirse como cine-verdad o cine-ojo, un documental revolucionario que se inserta en la corriente de documental urbano cuya obra más memorable posiblemente sea Berlín, sinfonía de una gran ciudad, de 1927. Como ocurre con buena parte de los films esenciales de la época muda, ha conocido múltiples bandas sonoras, pero este caso es especialmente revelador, pues no fue la primera vez que la escena electrónica se interesaba por él: en 1999 The Cinematic Orchestra creó una personalísima banda sonora, editada cuatro años más tarde con el título de Man With A Movie Camera (Ninja Tune). En el 2008 fue el trío noruego de nu-jazz Half The Flux el que propuso su interpretación de la banda sonora, como parte del Festival Internacional de Cine de Bergen, Noruega. Por tanto, cuando Buscemi y Michel Bisceglia entregaron sus composiciones, se estaban sumando a una sub-corriente de la electrónica que se interesaba por las bandas sonoras clásicas y, por alguna razón que se me escapa, por el documental de Vertov en particular.

Vertov, L’uomo Con La Macchina De Presa (otro aspecto más que no sé: ¿por qué el título del disco y de los temas está en italiano?) inmortaliza la banda sonora creada por Buscemi y Michel Bisceglia, artistas que colaboraron por segunda vez tras el excelente resultado obtenido con Jazz Works (Blue Note, 2008 ). Ahora bien, uno y otro disco son netamente diferentes, por cuanto el del 2008 se limitaba a reinterpretar en clave jazzística las producciones electrónicas de Buscemi, mientras este ofrece una verdadera confluencia de los universos musicales de ambos creadores, esto es, una integración de la electrónica del primero y el jazz vanguardista del segundo, a lo que se suma un nada tímido acercamiento a esa música que sólo por comodidad denominamos “clásica”. Por supuesto, se aprecia en estas composiciones la influencia de la música para cine más o menos convencional, aunque sin caer nunca, afortunadamente, en los clichés de los códigos hollywoodianos. Uno de los referentes evidentes es, por ejemplo, Michael Nyman (no por casualidad autor a su vez de una banda sonora para este mismo documental), cuyo estilo compositivo se aprecia especialmente en Corpo in movimento o Il cinematografo, además de la Ouverture. Claro que aquí el enfoque innovador de Buscemi y Michel Bisceglia está libre de sospecha, pues los inevitables pasajes con arreglos para piano y/o violín y/o contrabajo, que son aquellos más cercanos a la música para cine clásica, conviven con piezas de nu-jazz o de electrónica experimental. Más interesantes aún son aquellos casos en los que los samples y los beats de Buscemi se alían y complementa con la escritura y arreglos de Bisceglia, cosa que ocurre en Il mattino, La macchina da presa Mobile, el ya mencionado Corpo in movimento, Il ballo o Corsa in avanti.

Puede que como conjunto sea un tanto excesivo, que no funcione como álbum, que le falte algo de cohesión, pero su asombrosa variedad estilística y su ambición son también dos de sus grandes atractivos. Vertov, L’uomo Con La Macchina De Presa es una interesante banda sonora de la que se debe valorar, sobre todo, su intento de integrar, y hacerlo satisfactoriamente, mundos que rara vez se unen: la música clásica, el jazz y la electrónica, máxime tratándose de una banda sonora.

Créditos:
Buscemi: composición, producción, beats, samples y teclados.
Michel Bisceglia: composición, producción, piano y arreglos.
Kirsten Andersen: violín.
Rony Vebiest: bandoneón, saxo barítono, harmónica.
Jo Mahieu: guitarra eléctrica.
Werner Lauscher: contrabajo.

Este es el tracklist del CD:

Ouverture. 1:43
L’uomo sulla cinepresa. 4:20
Il mattino. 2:10
Manichini. 2:31
La macchina da presa Mobile. 4:49
Pulizia. 1:34
Il risveglio. 3:10
Il lavoro. 5:18
L’uomo con la macchina da presa. 4:45
La donna con vista. 2:48
La vita cuotidiana. 5:12
La bellezza. 3:21
Alla miniera di carbone. 3:54
Rottura di tempo. 3:18
Corpo in movimento. 4:45
Intrattenimento. 7:22
Il ballo. 3:38
Il cinematografo. 2:02
Corsa in avanti. 3:43

Duración total: 1:10:24

9/10

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Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

Crítica de Milano Jazz Dance Combo, de Milano Jazz Dance Combo

2009-12-07T08:52:00.000-08:00

Milano Jazz Dance Combo.
MILANO JAZZ DANCE COMBO.
Record Kicks.
Edición: 12 Octubre 2009.
Estilo: Nu-Jazz; Jazz.
Interesará a…: los que quieran disfrutar con la concepción más bailable del jazz orgánico.

Era una cuestión de tiempo: tarde o temprano el sonido de Schema Records tenía que independizarse y exportarse. A finales del 2009 asistimos al primer paso de su existencia más allá del catálogo del sello italiano. Claro que no fue muy lejos, pues desembarcó en otra discográfica independiente de Milán, Record Kicks. Ese proyecto pionero fue Milano Jazz Dance Combo, una de las muchas creaciones de los hermanos Lo Greco, responsables de las muy recomendables Soulstance, Quartetto Lo Greco o Quintetto Lo Greco. Fue importante porque, desde finales de los 90, Enzo y Gianni Lo Greco habían estado asociados exclusivamente a Schema Records, sello en el que editaron hasta siete álbumes con sus diversas propuestas. Además, colaboraron con artistas clave como Nicola Conte, Gerardo Frisina o Rosalia De Souza, en calidad de compositores y/o intérpretes y/o productores. En esa década, los hermanos Lo Grego fueron una aportación esencial a la hora de desarrollar el apreciado sonido Schema Records, ese característico jazz que bebe tanto de los clásicos del género (jazz modal, post-bop, soul jazz…) como de las nuevas tendencias en materia jazzística, con la música de club y el jazz electrónico como principales influencias. En cierto modo, y salvando las distancias, la aportación de ambos a Schema Records era comparable a la de Brian Holland y Lamont Dozier para Motown o la de David Porter e Isaac Hayes para Stax.

Fue un acierto de Nick Recordkicks el editar una propuesta como Milano Jazz Dance Combo en su sello, Record Kicks, hasta entonces asociado, sobre todo, al funk/soul de The New Mastersounds, Big Boss Man, Kokolo o Frank Popp Ensemble. Fue una buena idea el acoger un proyecto con un innegable aroma a Schema Records, con ese nu-jazz orgánico que tiene mucho más de jazz que de “nu”. Fue un destacado primer paso para la expansión y emancipación de un estilo que ya contaba con seguidores en todo el mundo. Además, es interesante que Milano Jazz Dance Combo, el álbum debut del proyecto, combine la aportación de vocalistas de la escena jazzística italiana, seguramente aportados por los hermanos Lo Greco, con la participación de voces de la esfera funk/soul, seguramente involucrados en el disco gracias a la mediación de Nick Recordkicks (que también ejerció de productor), pues Dionne Charles era la vocalista de Baby Charles, Roxie Ray de Dojo Cuts, y Katherine Ruestow de The Diplomats Of Solid Sound, tres conjuntos con álbum en Record Kicks. Es curioso escuchar a las tres intérpretes en un contexto notablemente diverso de aquel en el que estaban acostumbradas a moverse, pero se adaptaron estupendamente bien, especialmente Dionne Charles, que se apodera de la función en Don’t Cry y Sweet Love. Eso sí, Alice Ricciardi, vocalista que descubrimos gracias a Nicola Conte, está igualmente espléndida en Just In Time, y Colonel Red, como casi siempre, impregna Much More con una de sus personales interpretaciones. Finalmente, participa también un cantante del que no tengo referencias, Felix, que es lo más parecido que existe a Mario Biondi (irónicamente, otro artista que se dio a conocer en Schema Records).

Este es el tracklist del CD:

Much More feat. Colonel Red. 3:56
Don’t Cry feat. Dionne Charles. 3:06
Feelin’ Good feat. Katherine Ruestow. 3:30
Just In Time feat. Alice Ricciardi. 3:54
Sam Blues. 2:46
Goodbye feat. Felix. 4:35
Broken Rose feat. Roxie Ray. 4:02
Iperbole. 6:05
Please Don’t Go feat. Katherine Ruestow. 5:53
Turn Up The Heat. 4:41
Sweet Love feat. Dionne Charles. 4:15
Beat Under My Skin feat. Roxie Ray. 5:14
Changes feat. Colonel Red. 4:38

Duración total: 56:35

8,5/10

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Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

Crítica de The Funky Way Of Emil Viklický, de Emil Viklický

2009-11-12T04:11:00.000-08:00

Emil Viklický.
THE FUNKY WAY OF EMIL VIKLICKÝ.
Vampisoul. (VAMPI CD 115)
Edición: 2009.
Estilo: Hard-Bop; Big Band; Fusión; Jazz-Rock; Jazz Vocal; Jazz-Funk.
Interesará a…: los que no quieran perderse a los talentos del jazz europeo.

Junto con Ne! The Soul Of Marta Kubišová, repaso a la música de la vocalista Marta Kubišová, Vampisoul editó un segundo vistazo a la música negra de la República Checa. El protagonista de esta segunda referencia fue el jazzmen Emil Viklický, pianista, arreglista, compositor y líder de grupo, muy apreciado en su país natal, pero con una (injustamente) limitada repercusión internacional. Desafortunadamente, no grabar nunca para una discográfica estadounidense, ni tampoco para algunas de las europeas con mayor difusión/ prestigio (ECM, BHM, Esc Records, Intuition…), provoca que un músico de talento sea virtualmente invisible, más allá, por supuesto, de los expertos en jazz europeo. The Funky Way Of Emil Viklický ofreció, por tanto, la posibilidad de descubrir a un interesante músico cuya trayectoria cubre prácticamente todas las vertientes del jazz desde los 70 hasta la llegada del siglo XXI. Este recopilatorio, no obstante, tal y como promete el título, se centra en la vertiente más funky de Emil Viklický o, de manera más general, en su etapa eléctrica, en la época en la que, innegablemente influido por Herbie Hancock o Chick Corea, abrazó el jazz eléctrico y todo lo que eso conllevaba (jazz-funk, jazz-rock, fusión…).

The Funky Way Of Emil Viklický recopila tema incluidos en LPs y EPs que Emil Viklický editó entre 1975 y 1987, además de cuatro piezas inéditas como generoso bonus. En efecto, buena parte de la selección presenta sus experimentos con el jazz fusión, con hasta cuatro piezas grabadas junto a algunos de los amigos que hizo en su estancia en Boston, en el Berklee College Of Music: Bill Frisell, Kermit Driscoll y Vinnie Johnson. Esta sesión, grabada en Praga el verano de 1979, acabó en el LP Okno/ Window (Supraphon, 1980), y es una maravilla de jazz eléctrico, un ejercicio de jazz funky que, de haberse editado en Columbia Records posiblemente sería considerado un disco de culto. Pero hay más, porque similares son las dos aportaciones del grupo de jazz-rock Energit (extraídas del LP homónimo de 1975), especialmente esa ambiciosa pieza final titulada Ráno (Part 1, Kash Edit) (Morning), trece minutos de fusión, o jazz-rock, o jazz bueno, sencillamente, que revelan el talento del protagonista de este recopilatorio. No obstante, Lukáš Machata (aka DJ Lou Kash), autor de la selección y de las muy interesantes notas, no se limita a recuperar esa faceta de Emil Viklický, pues también recuerda su asociación con el conjunto SHQ, que apenas si pasó por el estudio pero sí dejó las dos joyas aquí incluidas, así como su colaboración con la vocalista Eva Svobodová que, por lo escuchado, merecería igualmente una compilación propia. Finalmente, tenemos los impagables cortes inéditos, en los que descubrimos, para mayor asombro y admiración, que Viklický es también un inspirado arreglista de big bands.

Dudo que, tras escuchar The Funky Way Of Emil Viklický, haya alguien que no sienta, como mínimo, curiosidad por conocer el resto de la discografía de Emil Viklický.

Este es el tracklist del CD:

Trochu Funky (The Funky Way). Viklický/ Frisell/ Driscoll/ Johnson.
Týden (Week). SHQ.
Ješte Jednou Slunce (Once Again Sun). Emil Viklický Studio Big Band.
Kveten (Maytime). Viklický/ Frisell/ Driscoll/ Johnson.
Kam S Tím Blues (Chega De Saudade). Eva Svobodová.
70. Východní (East 70th Street). Emil Viklický Studio Big Band.
Boston. Viklický/ Frisell/ Driscoll/ Johnson.
Zelený Satén (Green Satin). Energit.
Hromovka (Thunderhouse). Emil Viklický Studio Big Band.
Zeme Plná Lásky (A Land Full Of Love). SHQ feat. Eva Svobodová.
Zase Zapomneli Zavrít Okno (They’ve Left The Window Open Again). Viklický/ Frisell/ Driscoll/ Johnson.
Siesta. Emil Viklický Studio Big Band.
Jumbo Jet. Viklický/ Frisell/ Driscoll/ Johnson.
Ráno (Part 1, Kash Edit) (Morning). Energit.

Duración total: 1:19:47

9/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web http://www.acidjazzhispano.com/

V Fiesta Acid Jazz Hispano: Sábado 18 Julio 2009 - Boogaclub (Granada)

2009-06-27T09:48:00.001-07:00

Poco más de un año después de la IV Fiesta Acid Jazz Hispano, que tuvo lugar el 23 de Febrero del 2008 en la sala granadina Boogaclub (la hermana pequeña, en edad, que no en tamaño, de Afrodisia Club), os presentamos la V Fiesta Acid Jazz Hispano, que se celebrará en la misma sala, el sábado 18 de Julio del 2009. Es la primera que organizamos dos fiestas consecutivas en el mismo club, ni siquiera habíamos repetido ciudad, pero en vista del éxito de la anterior, era una tentación demasiado grande no repetir. De hecho, quien estuvo en la IV Fiesta Acid Jazz Hispano comprenderá muy bien por qué volvemos: fue la mejor y más multitudinaria de las celebradas hasta entonces, y eso que las que tuvieron lugar en Afrodisia Club (Granada '06) Dub Club (Valencia '07) y La Moe (madrid, '07) también las recordamos con cariño. Para esta V Fiesta Acid Jazz Hispano, que comenzará a medianoche del sábado y se prolongará hasta casi las siete de la madrugada, volveremos a movilizar al Colectivo Acid Jazz Hispano, el colectivo de DJs de la web, que esta vez estará formado por Ángeles Gómez Ortega, Santiago Tadeo Cervera y Álex Sampedro... Más información y cartel.

Crítica de Gershwin’s World, de Herbie Hancock

2009-06-27T09:46:00.000-07:00

Herbie Hancock.
GERSHWIN’S WORLD.
Verve Records.
Edición: 20 Octubre 1998.
Estilo: Jazz Contemporáneo; Post-Bop; Estandards.
Interesará a…: los que quieran escuchar a George Gershwin a través de la mirada de Herbie Hancock.

En 1998 se cumplieron cien años del nacimiento de George Gershwin, uno de los compositores estadounidenses más importantes del siglo XX, un músico tan influido por la música popular de su país, especialmente el jazz y el blues, como por la música clásica europea. Herbie Hancock, alguien que, como muchos otros contemporáneos, debía reconocer la influencia de George Gershwin, decidió hacerle un regalo en tan señalada fecha (ya se sabe lo mucho que le gustan las efemérides a nuestra sociedad occidental, pues casi parecen determinar la política cultural), haciéndonoslo a nosotros también. Seleccionó una serie de composiciones de Gershwin, las que por algo son las más conocidas y apreciadas, y las combinó con piezas de otros autores que tuvieron cierta repercusión durante la época en la que estuvo musicalmente activo el homenajeado. Una inteligente opción esta última, pues temas como St. Louis blues, el clásico de Elligton Cotton tail o, sobre todo, el segundo movimiento del Concierto para piano y orquesta de Maurice Ravel, complementan y recrean sorprendentemente bien el universo musical de George Gershwin.

Gershwin’s World es una de las obras más ambiciosas, arriesgadas, bellas y recomendables de la discografía de Herbie Hancock. Es sorprende en tanto que muestra registros poco habituales en el pianista estadounidense, y me refiero a sus incursiones en el repertorio clásico, pero es también el paradigma de su versatilidad o, visto de otro modo, la obra que condensa prácticamente todas sus vertientes, las desarrolladas durante sus tres primeras décadas de carrera discográfica como líder. A excepción de los extremos a los que llegó en su etapa eléctrica, como sus experimentos con el electro a principios de los 80, en Gershwin’s World están representadas la mayor parte de sus vertientes. Escuchamos post-bop al estilo de sus comienzos en Blue Note en los 60 o de sus aventuras con el quinteto V.S.O.P., un dúo con Chick Corea como en An Evening With Herbie Hancock & Chick Corea: In concert (Columbia Records, 1978 ), su talento para reinterpretar, de manera imaginativa y en clave jazzística, composiciones ajenas, como hizo en The New Standard (Verve Records, 1995), y, cómo no, su facilidad para revivir el universo musical de una gran figura, como ya hizo, por dos veces, con Miles Davis (con el quinteto V.S.O.P. y en A Tribute To Miles Davis). Además, retrospectivamente podemos añadir una conexión más con el resto de su discografía, pues la doble participación de Joni Mitchell preludia el homenaje que Herbie Hancock le dedicó en River: The Joni Letters (Verve Records, 2007).

Si este carácter de síntesis de sus muchas facetas ya convierte a Gershwin’s World en una edición clave, lo mejor es disfrutar del espectáculo de un Herbie Hancock inspiradísimo en su triple labor de líder, arreglista e intérprete. Además, hay colaboraciones para todos los gustos. Las ya mencionadas de Chick Corea y Joni Mitchell son espléndidas, y para la vocalista su participación fue muy importante en la época, pues le confirmó como una gran cantante de jazz, cosa que antes de 1998 no era nada obvio afirmar. Se pasaron también por el estudio Wayne Shortery su saxo, Stevie Wonder y su harmónica, la serie de percusionistas habitual en los trabajos más ambiciosos de Hancock y, como triple mortal final, The Orpheus Chamber Orchestra. Si no se me escapa ninguno, fue la primera vez que, en un álbum firmado como líder, el pianista se hizo acompañar por una orquesta. Todas estas colaboraciones mejoran la grabación, son uno de los aciertos del disco, pero entonces llegamos a la pieza conclusiva y Herbie Hancock nos recuerda que él es el mayor atractivo de Gershwin’s World. Escuchando su bella y vanguardista interpretación Embraceable you es difícil no darle la razón.

Créditos:
Herbie Hancock: piano.
Chick Corea: piano.
Madou Dembelle: djembe.
Massamba Diop: tambor parlante.
Cryo Baptista: percusión.
Bireyma Guiye: percusión.
Cheik Mbaye: percusión.
Eddie Henderson: trompeta.
Kenny Garrett: saxo alto.
James Carter: saxo tenor, saxo soprano.
Wayne Shorter: saxo tenor.
Bakithi Kumalo: bajo y guitarra.
Ira Coleman: bajo.
Terri-Lynn Carrington: batería.
Marlon Graves: guitarra.
Robert Sadin: programación percussion.
Stevie Wonder: harmonica y voz.
Charles Curtis: violonchelo.
The Orpheus Chamber Orchestra.
Kathleen Battle: voz soprano.
Joni Mitchell: voz.

Este es el tracklist del CD:

Overture (fascinating rhythm). 0:54
It ain’t necessarily so. 4:44
The man I love. 5:57
Here come de Honey man. 3:58
St. Louis blues. 5:50
Lullaby. 11:04
Blueberry rhyme. 3:31
It ain’t necessarily so (interlude). 1:25
Cotton tail. 4:43
Summertime. 4:40
My man’s gone now. 1:55
Prelude in C Sharp Minor. 4:45
Concerto for piano and orchestra in G, 2nd movement. 9:11
Embraceable you. 4:38

Duración total: 1:07:08

9,5/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

IV PREMIOS ACID JAZZ HISPANO 2008: ¡LOS GANADORES!

2009-04-10T20:08:00.001-07:00

El 3 de Febrero se puso en marcha una nueva edición de los Premios Acid Jazz Hispano, y justo un mes después, ha llegado el día que tanto (y tantos) estábamos esperando: el que nos permite desvelar cuales han sido los vencedores de los IV Premios Acid Jazz Hispano. El plazo para votar acabó el 28 de Febrero, y tras unos dias de recuento, ya estamos en disposición de anunciar quienes han sido los candidatos más votados en las 18 categorías: Madrid Boogie, de Venueconnection; Groovadelia 2; Tru Thoughts; Soul Vigilantes; Afrodisia Club; Gilles Peterson; Enlace Funk; Jazzanova; 43 Festival De Jazz De San Sebastián 2008; More Vibes!!!, de Mauri Sanchis; Incognito; Shine a light, de Satya Project... En fin, no podemos nombrarlos a todos aquí, así que lo mejor será que eches un vistazo a la siguiente página.

Crítica de Piety Street, de John Scofield

2009-04-10T20:04:00.000-07:00

John Scofield.
PIETY STREET.
Emarcy.
Edición: 31 Marzo 2009.
Estilo: Jazz-Funk; Jazz Contemporáneo; Gospel Contemporáneo.
Gustará a…: los que quieran visitar el gospel junto a John Scofield.

Con una carátula tan atrevida y original como discutible se presenta el segundo álbum de John Scofield para Emarcy. El diseño quizá no se gane los más encendidos elogios de los que saben de eso, pero al menos presenta claramente la música que ilustra: un set de gospel contemporáneo. El título, Piety Street, también aporta una segunda pista, pero la certeza llega al escuchar el primer tema, la versión de That’s enough, clásico de Dorothy Love Coates, una pieza asociada al repertorio gospel. En efecto, John Scofield volvió a hacer de él mismo, y eso implica variar radicalmente de estilo y de concepto de un álbum a otro. Sus tres últimas apariciones no podían ser más diversas: colaboración con Medeski, Martin & Wood en Out Louder (2006), sesión de jazz de cámara en This Meets That (2007) e incursión en el gospel en el álbum que nos ocupa, Piety Street. Definitivamente, explorar nuevos territorios sonoros e imponerse retos es una de las características de John Scofield, cosa que, evidentemente, es muy estimulante.

Para afrontar este repertorio compuesto de clásicos y piezas tradicionales de la esfera gospel, el guitarrista recurrió a algunos de los más sólidos músicos del género, reuniendo a un grupo de estrellas que incluye al vocalista John Boutté, al teclista/vocalista Jon Cleary y al batería Ricky Fataar (ambos en la banda de Bonnie Raitt), o al batería Shannon Powell (de la Harry Connick Orchestra). Con estos mimbres, John Scofield arma una sesión de gospel asombrosamente respetuosa, en la que se pone al servicio de las canciones (algo válido también para los dos originales que cuela en el repertorio), de las melodías, de la tradición del estilo. Por supuesto, es una sesión de gospel a lo Scofield, en la que vierte su consabido eclecticismo (jazz, funk, blues, post-bop, soul…), pero incluso su interpretación es sorprendentemente contenida, renunciando a su faceta más aventurada y virtuosa. Puede que Piety Street no resulte tan atractivo como precedentes obras, incluso puede que no destaque tanto como la inmediatamente anterior, This Meets That, pero sí es interesante y recomendable, tanto para sus seguidores como para los que quieran escuchar una acertada revisión del gospel.

Créditos:
John Scofield: guitarra, arreglos, producción, palmas.
John Boutté: voz, palmas.
Jon Cleary: órgano, piano, guitarra rítmica, voz y palmas.
Mark Bingham: producción, palmas.
Ricky Fataar: batería, palmas, fotografía.
George Porter, Jr.: bajo, palmas.
Shannon Powell: batería, pandereta.
James Farber: ingeniero, mezcla.
Wesley Fontenot: ingeniero asistente.
Shawn Hall: coordinador producción.
Susan Scofield: productora ejecutiva, coordinadora producción, diseño.
Rick Kwan: ingeniero asistente.
Paul Siegel: asistente musical.
Brian Montgomery: edición digital.
Nick Suttle: foto carátula.

Este es el tracklist del CD:

That’s enough. 3:46
Motherless child. 5:24
It’s a big army. 5:32
His eye is on the sparrow. 4:15
Something’s got a hold on me. 4:47
The old ship of Zion. 4:26
Ninety nine and a half. 4:08
Just a little while to stay here. 5:59
Never turn back. 4:41
Walk with me. 5:11
But I like the message. 3:29
The angel of death. 6:43
I’ll fly away. 3:45

8/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

IV PREMIOS ACID JAZZ HISPANO 2008: ¡LAS NOMINACIONES!

2009-02-04T08:45:00.000-08:00

Un año más, y ya son cuatro, es un placer para nosotros organizar los Premios Acid Jazz Hispano, un evento al que, de nuevo, está invitada toda la buena música. Pretendemos premiar algunas de las propuestas más interesantes del 2008 en toda una serie de categorías, incluyendo las estrictamente discográficos pero también todas aquellas relacionadas con el mundo de la música. De nuevo, ampliamos el número de categorías, pues la entusiasta participación del año anterior nos anima a daros la oportunidad de expresar vuestras preferencias en otros aspectos que también consideramos interesantes. Por último, por primera vez desde que instauramos los premios, las nominaciones han sido confeccionadas a partir de los votos de los miembros de la redacción de la web, de modo que esta vez sólo os pedimos un esfuerzo, que es el de votar a vuestros favoritos de la lista de nominados. El plazo para votar en los IV Premios Acid Jazz Hispano acaba el 28 de Febrero, este incluido. Podéis hacerlo a través de la plantilla que encontraréis en el link que hay al final de esta página. A continuación, las nominaciones en cada categoría. Ver nominaciones.

Crítica de Trio Quartet Quintet, de Walter Strerath

2009-02-04T08:39:00.000-08:00

Walter Strerath.
TRIO QUARTET QUINTET.
Sonorama Records.
Edición: 20 Marzo 2009.
Estilo: Free-Jazz; Baladas.
Gustará a…: los que disfruten con el jazz más melódico y meditativo.

Trio Quartet Quintet es el álbum debut del pianista Walter Strerath, y también era, hasta principios del 2009, uno de los LPs más cotizados por los amantes del jazz. Nada extraño: que sólo se editen 200 copias de un disco tan interesante, de uno de los clásicos del jazz europeo, es la mejor manera de asegurarse que, en el futuro, los vinilos que se conserven alcanzarán cotizaciones exageradas. Como bien dicen los responsables de Sonorama Records, sello germano que volvió a democratizar esta grabación, reeditándola, en Marzo del 2009, tanto en CD como en LP, “no poseerás el álbum original, a no ser que seas el Bill Gates del coleccionismo de discos”. Bastará recordar, para apoyar esta afirmación, que, en Diciembre del 2008, uno de los LPs se vendió por más de 3.000 dólares, sólo superado por dos referencias de The Beatles y Pink Floyd. Pero no, no es únicamente una cuestión de coleccionismo, de hacerse con una rareza de la que apenas si existen un centenar de ejemplares (pues, inevitablemente, el otro centenar se habrá perdido o estropeado): merece la pena hacerse con Trio Quartet Quintet porque es un excelente ejemplo de réplica europea del jazz del gran John Coltrane. Por eso, si tienes el ejemplar en CD no eres el dueño de una pieza de coleccionismo, pero sí de un álbum muy recomendable, que es lo importante.

Escuchando el pianismo de Walter Strerath en Trio Quartet Quintet, y sabiendo que estaba considerado como uno de los mejores pianistas de jazz de Europa, cuesta creer que la obra tuviese tan poca repercusión, que fuese tan infravalorada como su autor, pues décadas después había caido en un injusto olvido. El LP fue grabado el 4, 15 y 26 de Mayo de 1969, y si originalmente entró al estudio el Walter Strerath Trio, completado por el contrabajista Andreas Scheel y el batería Gerd Putz, acabó siendo un ejercicio de formatos, pues se amplió a cuarteto y, finalmente, a quinteto, con la participación de Hans Thomas y Manfred Lindner. Son tres formatos que John Coltrane desarrolló ampliamente durante su carrera, pero eso es lo de menos, porque el genial saxofonista debe mencionarse en calidad de referencia ineludible, pues es evidente que su faceta más lírica era una de las principales influencias de Walter Strerath. Ni él es McCoy Tyner ni mucho menos Manfred Lindner trata de emular a Trane, cosa que hubiera sido un suicido artístico, pero las preciosas baladas que aquí se escuchan son claramente deudoras de las inmortales interpretaciones que Coltrane ofreció de estándards como My favourite things o In a sentimental mood. Influencias aparte, Trio Quartet Quintet es un clásico con entidad propia que está pasando muy bien la prueba del tiempo.

Créditos:
Walter Strerath: piano.
Hans Thomas: trompeta y fliscorno.
Manfred Lindner: saxo alto y saxo soprano.
Andreas Scheel: contrabajo.
Gerd Putz: batería.
Karlheinz Klueter: ingeniero.
Jury Lutz: masterización.
Ekkerhart Fleischammer: coordinación del proyecto.
Patrick Haase: reproducción diseño original.
Este es el tracklist del CD:

New gospel. 4:15
Walz for Ellen. 5:56
The unknown. 4:54
Dance of Rosa. 6:12
Speed-up. 2:44
Watermelon girl. 4:06
Little ya-ya. 4:54
Rainy day. 3:40
¾ in minor. 3:43

Duración total: 40:24

9/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

Crítica de Paris, de Erik Truffaz y Sly Johnson.

2008-12-29T10:05:00.000-08:00

Erik Truffaz y Sly Johnson.
PARIS.
Blue Note.
Edición: 3 Noviembre 2008.
Estilo: Jazz; Jazz Ambiental.
Gustará a...: los que disfruten con los encuentros musicales guiados por la búsqueda artística.

El 3 de Noviembre del 2008, Erik Truffaz editó tres novedades, una triología denominada “Rendez-vous” (citas), una selección que, en palabras del trompetista francés, ofrece “una cartografía de los encuentros musicales de estos dos últimos años. Me gustaría que esté abierta en el futuro, porque detrás de los silencios se esconden seguramente otras músicas”. Este serie se compone de los álbumes Benares, con Indrani Mukherjee, Apurba Mukherjee y Malcolm Braff, Mexico, con Murcof, y, finalmente, este que nos ocupa, Paris, con Sly Johnson. En lugar de ir presentando poco a poco estas colaboraciones con músicos tan diversos, Erik Truffaz decidió ponerlos a disposición del oyente simultáneamente, como si fuesen tres capítulos de un cuaderno de viaje musical que sólo puede leerse/escucharse de un tirón. Habría que ver, por tanto, si existe un precedente así en la industria musical, si algún otro artista también sumó tres referencias a su discografía un mismo día, aunque son cuatro si se cuenta también la edición de lujo que recopila las tres obras, Rendez-Vous, todas editadas por Blue Note. Por nuestra parte, es una gran alegría, porque sus novedades siempre son interesantes y enriquecedoras.

Con Paris, Erik Truffaz mantiene su voluntad de crear una discografía en la que no haya dos álbumes sucesivos iguales. Si en el pasado buscó la innovación, la diferenciación, mediante la fusión de jazz con otros estilos (hip hop, rock, pop...), esta vez lo hace a través de la colaboración, aunque tampoco eso sea inédito, pues previamente ya había compartido el estudio con ilustres invitados, como el rapero Nya o los vocalistas Mounir Troudi y Ed Harcourt. Ahora bien, nunca antes había tenido tanta relevancia la colaboración, o no había sido el eje central del disco. Aquí, el vocalista Sly Johnson no es un invitado, pues lo que escuchamos es un dúo entre la voz y el trompetista, un apasionante diálogo en el que los términos “voz principal” y “voz de acompañamiento” pierden su significado. Erik Truffaz recupera su faceta más ambiental y etérea, la que recuerda a Miles Davis, mientras Sly Johnson se presenta como una versión sin malabarismos del más inspirado (y jazzístico) Bobby McFerrin. Pero nada importan los referentes cuando lo que se escucha es una creación tan honesta, una colaboración que se resuelve de manera tan natural y, finalmente, una música bellísima e intensa.

Este es el tracklist del CD:

Mr Wyatt. 5:08
Come together. 3:01
Addis abeba. 4:47
Nature boy. 3:02
Nina’s dream. 3:57
La mouche. 3:18
Goodbye tomorow. 2:55
Don’t stop. 3:36
The fly. 6:29

Duración total: 36:13

9/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

Crítica de Radiolatians 1, de Medeski, Martin & Wood

2008-10-18T04:04:00.000-07:00

Medeski, Martin & Wood.
RADIOLATIANS 1.
Red Ink.
Edición: 30 Septiembre 2008.
Estilo: Jazz-Funk; Soul-Jazz; Jazz De Vanguardia; Post-Bop.
Gustará a…: los seguidores de siempre de Medeski, Martin & Wood.

Muy posiblemente, 2008 será recordado como el año más activo de Medeski, Martin & Wood, al menos discográficamente hablando. Además, sus ediciones han sido muy peculiares, ninguna puede considerarse como un álbum de estudio al uso. Inauguró el 2008 con su esperado disco para niños, el simpático y divertido Let’s Go Everywhere (Little Monster Records) que, a pesar de estar pensado para un público de corta edad y, por tanto, con poca cultura musical, resulta estimulante también para un oyente adulto. Su segunda aparición discográfica se produjo en Agosto, de la mano del sello Tzadik, con Zaebos: Book Of Angels, Vol. 11. También se trata de un disco especial, puesto que forma parte de la serie impulsada por John Zorn, que consiste en la interpretación, por parte de diversos artistas, de su repertorio Masada: música judía contemporánea. Pues bien, poco más de un mes después, se editó su tercera referencia anual, Radiolatians 1, el inicio de una trilogía. Que sea el primero de tres trabajos ya lo convierte en un tanto peculiar, pero lo que lo diferencia de la mayoría de proyectos discográficos es que, antes de entrar al estudio, Medeski, Martin & Wood estuvo rodando los temas durante una extensa gira. Así pues, el disco no es el punto de partida de una presentación sobre los escenarios, sino lo contrario, y ese mismo proceso es el que el trío quiere repetir en las dos entregas siguientes.

En cualquier caso, tras dos álbumes que se sitúan al margen de su propia trayectoria (tres contando la colaboración con John Scofield en Out Louder, del 2006), Medeski, Martin & Wood vuelve a ofrecer un trabajo personal, recupera su vena más aventurera, experimental e innovadora. Es asombroso que, tras más de una decena de álbumes, todavía logre sorprender, explorar nuevas sonoridades. Pero su mayor mérito reside en lograr este efecto novedoso, en seguir entusiasmando, a pesar de utilizar los tres elementos de siempre: jazz, funk y soul. Bueno, esos tres sumados a un cuarto: improvisación. En esto último, juega a su favor que Billy Martin, John Medeski y Chris Wood lleven grabando juntos desde 1992, año en el que debutaron con Notes From The Underground. No es que estén completamente compenetrados y que su conjunción sea asombrosa, es que yo creo que cada uno de ellos debe conocer (musicalmente) a los otros dos mejor incluso que ellos mismos. Seguro que cuando John Medeski va a tocar una nota al teclado, Chris Wood ya sabe cual va a ser y Billy Martin ya tiene pensando el pulso rítmico más adecuado.

Antes de terminar con esta crítica, debo hacer una precisión. Radiolatians 1 recupera la vertiente más vanguardista y arriesgada de Medeski, Martin & Wood, muestra su voluntad de seguir explorando su proprio camino, pero lo hace sin perder su cara más lúdica y divertida, con grandes dosis de sentido del humor. Así que será música intelectual y exigente, pero también accesible y encantadora.

Créditos:
Billy Martin: batería, arreglos y producción.
John Medeski: teclados, arreglos y producción.
Chris Wood: bajo, guitarra, arreglos y producción.
David Kent: ingeniero y mezcla.
Jed Kosiner: asistente del ingeniero y asistente de la mezcla.
Alan Silverman: masterización.

Este es el tracklist del CD:

First light. 8:28
Cloud wars. 6:26
Muchas gracias. 6:36
Professor nohair. 7:34
Reliquary. 7:45
Free go lily. 4:32
Rolling son. 5:57
Sweet pea dreams. 2:59
God fire. 7:26
Hidden moon. 6:42

Duración total: 1:04:25

9/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

Crítica de Modern antique, de Robin McKelle

2008-09-08T10:38:00.000-07:00

Robin McKelle.
MODERN ANTIQUE.
Cheap Lullaby/ Blue Note/ EMI.
Edición: 2008.
Estilo: Big Band Jazz; Jazz Vocal; Pop Tradicional.
Gustará a…: los que se contenten con escuchar la voz de Robin McKelle.

Es curioso que una propuesta que tan bien funciona en Introducing Robin McKelle no lo haga en la misma medida en Modern antique, el siguiente trabajo de Robin McKelle. Con el primer álbum se le abrieron las puestas del mercado internacional, consiguió lo que el título anunciaba: presentarse ante el mundo, darse a conocer entre los amantes del jazz y, especialmente, entre los que disfrutan con el jazz vocal. Su decidida apuesta por recuperar el sonido clásico de la era dorada de las big bands entusiasmó a la crítica y también fue muy bien recibida por un sector de melómanos no necesariamente cercanos al jazz. No obstante, Robin McKelle fue la gran protagonista: Introducing Robin McKelle nos descubrió a una vocalista de talento con una bonita voz. Esto último lo confirma Modern antique, pues la cantante vuelve a mostrar sus dotes frente al micrófono, su facilidad para apropiarse de clásicos inconfundibles y para convencer al interpretar estándards que inmortalizaron algunas de las más grandes vocalistas de la historia del jazz.

Sin embargo, todo lo demás, esto es, el acompañamiento orquestal y/o de big band, no resulta tan atractivo como cabría esperar. No es muy diferente del escuchado en Introducing Robin McKelle, de modo que si en este caso no convence es porque repite la misma fórmula y, por tanto, ya no sorprende. Pero no es sólo una cuestión de novedad versus repetición, porque queriendo lanzarse sin miedo a unos arreglos más grandiosos, alcanzan tal protagonismo que casi arruinan la elegancia vocal de Robin McKelle. Es comprensible que ocurriese así, porque en Introducing Robin McKelle uno de los aspectos que más se alabó fue la vuelta a los acompañamientos de big band, y esto, unido a un notable aumento del presupuesto debido al éxito del mencionado disco, deriva en un envoltorio sonoro mucho más lujoso, que no se contenta con una amplia big band e incluye una numerosa sección de cuerda. Además, a pesar de que el trompetista Willie Murillo vuelve a participar en calidad de arreglista y productor, los arreglos aquí escuchado son en exceso convencionales, hasta empalagosos. En demasiados pasajes, la suma de todos estos factores hace que no podamos disfrutar de la interpretación de Robin McKelle, que deseemos escucharla con un formato mucho más reducido. Finalmente, aunque forma parte de lo que se espera de esta artista, el repertorio elegido ―una colección de clásicos archiconocidos― no es muy estimulante, se echa de menos algo de osadía en la selección. Eso sí, tampoco parece que el remedio pueda venir a través de sus propias composiciones, porque la balada pop que nos deja como conclusión, Remember, es del todo prescindible y no encaja muy bien con lo anterior.

Este es el tracklist del CD:

Abracadabra. 3:34
Comes love. 3:24
I want to be loved. 3:38
Lover man. 4:42
Cheek to cheek. 3:46
Day by day. 3:26
Save your love for me. 6:16
Go to hell. 2:52
Lullaby of bridland. 3:28
Make someone happy. 4:44
Remember. 4:39

Duración total: 44:29

7/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

Crítica de Party intellectuals, de Marc Ribot’s Ceramic Dog

2008-08-06T16:51:00.000-07:00

Marc Ribot’s Ceramic Dog.
PARTY INTELLECTUALS.
Pi Recordings.
Edición: 24 Junio 2008.
Estilo: Jazz De Vanguardia; Rock Experimental.
Gustará a…: los que necesiten un respiro entre tanta rareza de Marc Ribot.

La discografía de Marc Ribot es compleja, poco accesible para los que no estén acostumbrados a la vanguardia, a la experimentación. Su música exige un esfuerzo intelectual al oyente, aunque siempre le recompensa con creces. Además, una de sus señas de identidad es que nunca repite dos veces la misma propuesta. Sin embargo, esa máxima se rompe parcialmente con Party intellectuals, su primer trabajo continuista en casi dos décadas de carrera. Sigue sin ser una repetición, porque no hay un álbum previo del que se erija como continuación, pero esta vez no ha querido romper por completo con lo grabado anteriormente. Ahora bien, respecto a su precedente novedad, Excercises in futility, en las tiendas sólo unos meses antes, sí supone un gran cambio. Ceramic Dog es el nombre de la que muy posiblemente sea la primera banda de rock de la dilatada trayectoria de Marc Ribot. Por supuesto, el guitarrista siempre ha tenido una vertiende rockera, más o menos expresada según el disco, y yo creo que es un artista más rockero que jazzístico (por comparar los dos estilos que más ha desarrollado en su discografía), pero nunca antes se había atrevido con un disco de rock.

El sonido de Party intellectuals remite al de los comienzos como líder de Marc Ribot a principios de los 90, a álbumes como Rootless cosmopolitans (1990) o Requiem for what’s his name (1992), pero también recuerda a una de sus primeras bandas, Shrek, con la (notable) diferencia de que este último proyecto es mucho más accesible, más rockero y mucho más desenfadado, con el humor que siempre ha caracterizado su obra. Olvidad su complejo rock experimental de la década anterior, porque aunque aquí en ningún caso opte por el mainstream, sí ha creado su álbum más accesible desde sus entretenidos discos con Los Cubanos Postizos (The prosthetic cubans y Muy divertido!). También es su trabajo más energético desde el excesivo (pero imprescindible) Asmodeus: Book Of Angels, Vol. 7, y en ambos hace maravillas con el formato trío. En fin, comenzar con una versión de Break on through, de The Doors, ya es sintomático de que nos espera un disco que, como su título anuncia, será lo más parecido posible a una fiesta musical (no desprovista de intelecto).

Créditos:
Marc Ribot: guitarra, voz y composición.
Shahzad Ismaily: bajo, voz y moog.
Ches Smith: batería, percusión, electrónica y voz.
Janice Cruz: voz en tema 3.
Keni Quilter: voz en tema 11.
Martin Verajano: percusión en tema 8.

Este es el tracklist del CD:

Break on through. 3:44
Party intellectuals. 5:50
Todo el mundo es kitsch. 5:11
When we were young and we were freaks. 8:18
Digital handshake. 10:15
Bateau. 4:15
For malena. 3:20
Pinch. 4:43
Girlfriend. 3:35
Midost. 10:04
Shsh shsh. 5:49
Never better. 3:29

Duración total: 1:08:33

9/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

Crítica de Esperanza, de Esperanza Spalding

2008-06-29T07:46:00.000-07:00

Esperanza Spalding.
ESPERANZA.
Heads Up International.
Edición: Mayo 2008.
Estilo: Jazz Contemporáneo; Jazz-Pop; Jazz Latino; Post-Bop.
Gustará a…: amantes del jazz sin miedo al eclecticismo.

A sus 23 años, Esperanza Spalding había realizado ya una asombrosa trayectoria, llevaba varios años dando clase en el prestigioso Berklee College of Music, había demostrado su talento sobradamente, iba por su segundo álbum como líder y, en definitiva, era ampliamente considerada como un prodigio y como una de las grandes esperanzas (perdonad el chiste fácil) del jazz estadounidense. Herbie Hancock debutó con 22 años, y encima en Blue Note, pero era una de las pocas excepciones, así que es comprensible que se crease tanta expectación ante el comienzo de la que, se presumía, iba a ser una gran discografía. No obstante, por mucho que Esperanza Spalding evidenciase una admirable madurez, seguía siendo una joven de 23 años que todavía tenía mucho que aprender. Tomar consciencia de su enorme facilidad quizá fuese lo que le llevó a asumir prácticamente toda la responsabilidad en su segundo álbum de estudio, Esperanza, esto es, interpretar el contrabajo, cantar, componer, arreglar, producir y liderar todas las fases de su creación. Sin embargo, aunque ese fuese un motivo más para aplaudirla, es también lo que lastró el disco. Se echa de menos la figura de un productor, o productor ejecutivo, como lo fue Pablo Valero en su estupendo debut, Junjo (2006, Ayva Musica). Alguien que le guíase en su crecimiento, que le marcase unos límites o, simplemente, que le ayudara a tomar decisiones en aspectos esenciales, como el tracklist final: que Esperanza supere la hora de duración es su principal problema (y estaréis de acuerdo conmigo en que esa es, en cualquier caso, una buena señal).

Respecto a Junjo, dos son los cambios principales en este segundo álbum, y ambos tienen que ver con que ganase en seguridad. El primero es que el conjunto se amplia, pues pasa del trío (Aruán Ortiz + Francisco Mela) a una formación más amplia. El segundo es que ya no es una contrabajista que, ocasionalmente se atreve a cantar, sino que casi pasa a ser lo contrario, una vocalista que también toca el contrabajo. Seguramente animada por los buenos resultados obtenidos en su debut, aquí desarrolla ampliamente su faceta de cantante, algo positivo porque favorece una mayor variedad del conjunto, pero que no acaba de ser plenamente satisfactorio porque es mucho mejor contrabajista que vocalista: su registro vocal es limitado, aunque es muy meritorio que cante en español, portugués e inglés. Por otra parte, no sé si es premeditado o una consecuencia de la coexistencia de sus múltiples influencias, pero parece que conviven dos Esperanza Spalding en Esperanza. Por una parte observamos su predisposición a sumergirse en el exigente y estimulante terreno del jazz de vanguardia, a poner en marcha una jam con sus colaboradores, a improsivar. Sin embargo, esta tendencia no es la mayoritaria, porque predominan los cortes en los que propone una reinterpretación, más o menos convencional, de los estándares del jazz vocal (pese a ser a través de composiciones propias) o, peor aún, del más conformista jazz-pop. Pero ni siquiera en estos últimos casos pierde el atractivo su música, porque siempre hay algún elemento (un pasaje vocal, un apunte al contrabajo, unos arreglos especialmente inspirados…) que nos recuerda el enorme talento de Esperanza Spalding. Además, esta ambiciosa apuesta por la variedad representa, en sí misma, una aventura para el oyente, que asiste a una sorpredente sucesión de piezas influenciadas por las músicas brasileñas o latinas, por el soul, el R&B, el post-bop… Parece inevitable que la estadounidense sienta el deseo de explorar todas sus inquietudes, pero sería bueno mayor concisión o, si fuese necesario, que realizase álbumes monotemáticos, eligiendo cada vez entre una de sus muchas influencias.

En definitiva, aquí nació una estrella, pero todavía no brillaba tanto como se creía que podía hacerlo.

Créditos:
Esperanza Spalding: voz, contrabajo, composición y producción.
Leo Genovese: piano, rhodes, wurlitzer, gretchen parlato y coros.
Jamey Hadda: percusión.
Otis Brown: batería y coros.
Horacio Hernández: batería.
Donald Harrison: saxo alto en temas 6 y 11.
Ambrose Akinmusire: trompeta en temas 8 y 11.
Niño Josele: guitarra en tema 12.

Este es el tracklist del CD:

Ponta de areia. 5:39
I know you know. 3:46
Fall in. 3:57
I adore you. 7:27
Cuerpo y alma (Body & Soul). 8:01
She got to you. 4:29
Precious. 4:24
Mela. 6:57
Love in time. 5:47
Espera. 4:40
If that’s true. 7:33
Samba em preludio. 5:11

Duración total: 1:07:56

8,5/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para la web Acid Jazz Hispano.

Crítica de Lunas, soles & elefantes, del Marta Sánchez Trio

2008-05-18T13:50:00.001-07:00

Marta Sánchez Trio.
LUNAS, SOLES & ELEFANTES.
Errabal. (ER.021)
Edición: 2008.
Estilo: Jazz.
Gustará a…: los que disfruten con la belleza de una buena melódica jazzística.

Los seguidores del muy recomendable sello vasco Errabal posiblemente recuerden el nombre de Marta Sánchez como una de las integrantes del cuarteto Zafari Project, que en el 2006 debutó con el interesante disco homónimo. En aquel proyecto, la pianista era, junto al saxofonista Julio Botti, la parte melódica de una música que se caracteriza por su vibrante ritmo, por su swingueante concepción bopera. Pues bien, es un placer descubrir en este trío una ramificación ―de indudable independencia― de aquel cuarteto, una reducción al conjunto rítmico básico del jazz: piano, batería y contrabajo. Carlos Barretto y Andrés Litwin reemplazan a Francisco López y Hasier Oleaga, aunque estrictamente no se puede hablar de sustituciones tratándose de un nuevo grupo. Este es el inicio de la carrera como líder de Marta Sánchez, no una continuación de Zafari Project, y es la personalidad de la pianista, su manera de afrontar el jazz, la que determina la orientación artística tomada por el trío. Ahora bien, los que disfrutaron con Zafari project tienen una cita con Lunas, soles & elefantes, pues están obviamente conectados.

La carátula y el título del álbum debut del Marta Sánchez Trio predisponen al oyente a escuchar un tipo de jazz etéreo, cósmico, espiritual (o ingrávido, como bien dice David Gotxicoa en su texto). Sin embargo, aunque la sensación que uno tiene no es radicalmente distinta, no es exactamente esa. En lugar de pasajes ambientales, Lunas, soles & elefantes depara un encuentro con un jazz entre post-bop y hard-bop que, rítmicamente, no concede tregua. En cambio, el título, el diseño y la música sí tienen en común la búsqueda de la belleza como prioridad, antes que el virtuosismo o la experimentación. El virtuosismo sí hace acto de presenta en la interpretación del trío, especialmente en numerosos pasajes de Marta Sánchez de innegable dificultad técnica, pero es lo de menos, porque aquello que destaca durante la primera escucha y seduce en todas las demás, es la belleza de las melodías y las improvisaciones. Los tres músicos disfrutan de sus momentos de protagonismo en forma de solos que, invariablemente, desarrollan tras la introducción melódica (en este sentido, el álbum propone una estructura clásica), pero además de no ser los protagonistas absolutos, estos fragmentos improvisados rara vez pierden de vista la melodía. En efecto, lo que parece interesar a Marta Sánchez es la creación de texturas cálidas, de un sonido que tiende al lirismo y que favorece, por ejemplo, que Carlos Barretto intérprete el contrabajo con el arco en el tema que da título al disco. En lo que respecta al pianismo de la líder del trío, no faltarán las inevitables comparaciones con Bill Evans o Brad Behldau, pero también toma elementos de carácter percusivo de Béla Bartók y, en líneas generales, evidencia un gran conocimiento del repertorio clásico.

Por cierto, en Lunas, soles & elefantes hay un tema dedicado a mí, bueno, a mí y a todos los que se llamen Santiago.

Créditos:
Marta Sánchez: piano.
Carlos Barretto: contrabajo.
Andrés Litwin: batería.
Juan Carlos Blancas: técnico de grabación.
Pablo Schuller: mezcla.
David Gotxicoa: notas.

Este es el tracklist del CD:

La tristeza de ma.
Txu.
Natu.
One for Santi.
Mr. J.
Making it happen.
Lunas, soles & elefantes.
Diabolic.

9/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para Acid Jazz Hispano.

Entrega de los III PREMIOS ACID JAZZ HISPANO 2007 -Marula Café - 24 Abril - Madrid

2008-04-15T14:04:00.000-07:00

Los Premios Acid Jazz Hispano, que comenzaron a celebrarse en el 2005, han ido creciendo año a año, pues el aumento en el número de categorías ha sido paralelo al del número de participantes. También esperamos que esto esté acompañado por una cada vez mayor consideración por parte de los visitantes de esta web y por los artistas, hayan o no sido nominados/premiados. Siguiendo con este progresivo crecimiento, que esperamos tenga continuidad en el futuro, este año, por primera vez, organizamos una entrega de premios. Tras conocerse los resultados de los III Premios Acid Jazz Hispano 2007, hemos querido entregar personalmente los premios a todos los ganadores que puedan asistir. Será un fiesta sencilla, pero queremos que sea exactamente eso, una fiesta protagonizada por buenos músicos y responsables de su difusión, una reunión de amantes de la buena música. Tendrá lugar en la sala ganadora del Premio a la Mejor Sala, Marula Café, el Jueves 24 de Abril, a las 22:00. Primero entregaremos los diplomas a los ganadores, y acto seguido empezará la parte musical con una sesión del Colectivo Acid Jazz Hispano (Álex Sampedro, Santiago Tadeo Cervera y José Antonio de la Jara), seguida por otra de Casbah 73, el gran triunfador de los III Premios Acid Jazz Hispano 2007. ¡Os esperamos! Ver flyer.

Crítica de Steps, de Ximo Tébar & Ivam Jazz Ensemble

2008-04-15T14:01:00.000-07:00

Ximo Tébar & Ivam Jazz Ensemble.
STEPS.
Omix Records. (08020 CD)
Edición: 2008.
Estilo: Jazz Contemporáneo; Jazz-Fusión.
Gustará a…: los amantes del los artistas que sienten el deseo de innovar.

Si uno recuerda la carátula de Eclipse al ver la de Steps, pensará que este último es un álbum continuista, pues el diseño es muy similar. Diréis, no sin lógica, que ese es un detalle sin importancia, y desde luego que no es esencial, pero es el propio Ximo Tébar el que firma la dirección de arte, de modo que este es uno de los pocos casos en los que el artista elige la carátula que quiere. El disco, en efecto, es coherente con el resto de la discografía del guitarrista, sigue una misma línea evolutiva, si se me permite esta expresión, y es evidente que los que hayan disfrutado con sus trabajos previos tienen una cita con este. No obstante, sí se aprecia una cierta voluntad de cambio en Steps, el interés por explorar un jazz distinto del que ya domina, de seguir el sabio consejo de Chillida de que uno debe hacer lo que no sabe hacer. De hecho, esta grabación se enmarca en el deseo de Ximo Tébar de acercarse a un particular estilo jazzístico surgido a mediados de los 90, el nu-jazz. Eso sí, un nu-jazz al que se llega desde el jazz, que no introduce elementos electrónicos sino que encuentra el elemento renovador en las propias interpretaciones, en unos arreglos que huyen de los lugares comunes. Yo tengo otro concepto del nu-jazz, creo que el sonido aquí propuesto tiene más de jazz contemporáneo, de jazz abierto a la fusión, pero esta discusión terminológica no es importante. Zanjemos la cuestión con un silogismo: el autor califica esta música de nu-jazz, esta música es buena, luego este nu-jazz es bueno. En todo caso, para terminar, él mismo denomina a esta música, en su web, como “modern-jazz-fusion”.

Steps se abre con una imaginativa y nada obvia versión de Pink panther, el inmortal clásico de Henry Mancini, aquí reconvertido en una pieza de jazz vanguardista y siempre sorprendente. A priori, una apertura con un corte como suele ser un intento de agradar, y de hacerlo por la via rápida, con una melodía que forma parte del imaginario colectivo, pero claro, no os sorprenderá nada si afirmo que eso no es así en el caso de Ximo Tébar. Pues bien, este inicio establece la tónica del disco, porque incluso cuando parte de originales algo más elaborados, de grandes como John Coltrane, Wayne Shorter o Herbie Hancock, los revisita desde una perspectiva enormemente creativa, ofreciendo una nueva perspectiva, situándolos en otro contexto sonoro o, sencillamente, considerándolos la excusa perfecta para desplegar atrevidas improvisaciones colectivas. Este repertorio lo redondea con la seductora balada Zap y con el homenaje a Coltrane en Steps, dos magníficas composiciones propias. Además, como es habitual en él, se ha rodeado de grandes intérpretes, algunos de ellos rostros conocidos para los que acudan a los conciertos del guitarrista y conozcan su discografía, otros, como Orrin Evans, Alex Blake o Boris Kozlov, recién incorporados.

Un gran disco, otro más.

Créditos:
Ximo Tébar: guitarra, scats, arreglos, producción.
Orrin Evans: piano eléctrico y rhodes.
Donald Edwards: batería, arreglos del tema 7.
Alex Blake: bajo acústico.
Boris Kozlov: bajo eléctrico.
Ester Andújar: coros.
Ramón Cardo: saxo soprano.
Santi Navalón: teclados.
Stefan Braun: violonchelo.
Kiko Berenguer: saxo tenor.
David Pastor: trompeta.
Vicente Sabater: grabación, mezcla y masterización.
Nacho Navarro: asistente de grabación.
Toni Macias: asistente de grabación.

Este es el tracklist del CD:

Pink panther.
26-2.
Four on six for wes.
Zap.
Actual proof.
Nefertiti.
Essential passion.
Steps.

Duración total: 49:27

9,5/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para Acid Jazz Hispano.

Crítica de The other side of something, de Bill Evans

2008-03-18T13:09:00.000-07:00

Bill Evans.
THE OTHER SIDE OF SOMETHING.
Intuition.
Edición: 2007.
Estilo: Bluegrass; Jazz-Rock.
Gustará a…: los interesados por la música tradicional estadounidense.

Esta es una de esas ediciones cuya carátula ya es una declaración de intenciones. Quien conozca Soulgrass (2005), el anterior trabajo de Bill Evans, sabrá sólo por eso que se trata de una continuación. Ver al músico tumbado sobre un rústico suelo de madera, rodeado de instrumentos como el banjo, la mandolina o el bajo es indicativo de que ha querido seguir desarrollando la fusión de bluegrass, jazz, funk y soul. El saxofonista estadounidense siempre ha querido fusionar el jazz con otros estilos que le interesaban, como el hip hop, el reggae, la música brasileña y, sobre todo, el funk, y parece claro que no tiene ninguna intención de acomodarse, porque cada dos o tres discos cambia radicalmente de estilo. En Soulgrass ya nos presentó su nueva dirección, que consistió en integrar su improvisación al saxo en un contexto deudor de la música indígena estadounidense, especialmente del bluegrass. Pues bien, en The other side of something prolonga el experimento de su anterior trabajo, con la ventaja que da el haber estado dos años de gira interpretando esta música. Cuando Bill Evans se puso a escribir los temas de esta segunda incursíon en el bluegrass visto por un músico de jazz, podía emprender la aventura con la garantía de éxito que da la experiencia adquirida.

The other side of something es un ambicioso trabajo en el que las fronteras estilísticas se diluyen, y esa es la primera prueba del éxito artístico. Ya no es una obra de soulgrass interpretada por músicos habituales del estilo junto a jazzmen, ni tampoco una convivencia, más o menos sencilla, de ambos lenguajes, sino que supone la creación de un tercer estilo nacido de la fusión de ambos. No una integración natural, sino el fruto de un inspirado trabajo de escritura de Bill Evans sumado a unas interpretaciones excepcionales. De nuevo ha contado con el gran Bela Fleck, alguien habituado a lidiar con todo tipo de ejercicios de fusión y que conoce muy bien las posibilidades de expansión del bluegrass. También contribuyen de nuevo un músico de estudio tan talentosos como Sam Bush, unos bajistas tan solventes como Victor Wooten o Richard Bona y un versátil batería, Dennis Chambers, que es de los que inspiran confianza. Hasta Randy Brecker se pasó por el estudio para contribuir con su maravillosa interpretación de la trompeta en Kinda green. Pero buena parte del peso, y me refiero al interpretativo, recae en Bill Evans. No sólo sigue haciéndonos disfrutar con su capacidad a la hora de improvisar, sino que ha compuesto unos acertados arreglos que le han obligado a tocar los saxos tenor, soprano y barítono en el estudio para crear su propia sección de vientos. Además, se ha atrevido a cantar en varios cortes, y aunque este instrumento no lo domina tanto como el saxo, es una faceta más que valoro muy positivamente y que espero que siga desarrollando.

Créditos:
Bill Evans: saxo tenor, saxo soprano, saxo barítono, producción y voz.
Bela Fleck: banjo.
Sam Bush: mandolina y voz.
Victor Wooten: bajo.
Richard Bona: bajo.
Dennis Chambers: batería.
Christian Howes: violín.
Ryan Cavanaugh: banjo.
Joel Rosenblatt: batería.
Pat Bergeson: guitarra.
Clifford Carter: teclados.
Roger Squitero: percusión.
Randy Brecker: trompeta.
Jim Beard: piano.
Mickey Raphael: harmónica.
Vanesse Thomas: voz.
Robert Battaglia: grabación.
Bud Driver: ingeniero.
Phil Magnotti: mezcla.
Marko Schneider: master, entrenadora vocal de Bill Evans.

Este es el tracklist del CD:

Easy way out. 3:17
Ode to the working man. 5:04
Sweet tea. 5:53
No where to go. 4:49
Professor pork phat. 7:05
Walk into the light. 3:03
Way out east. 7:30
Dance of the leprechaun. 8:16
How the West was won. 6:11
Kinda green. 5:23
Slippery bigs forever. 5:25

Duración total: 1:02:14

9/10

Escrito por Santiago Tadeo Cervera (santiagotadeo@gmail.com) para http://www.acidjazzhispano.com/

III PREMIOS ACID JAZZ HISPANO 2007 - ¡LOS GANADORES!

2008-03-18T13:06:00.001-07:00

El 29 de Febrero acabó el plazo de votación de la segunda ronda de los III Premios Acid Jazz Hispano, en la que decidisteis vuestros favoritos en las catorce categorías propuestas. Estamos muy gratamente sorprendidos con la entusiasta acogida que han tenido esta tercera edición de los premios, pues ha aumentado considerablemente la participación, superando sobradamente la de años anteriores. Aprovechamos para daros las gracias a todos los que habéis votado y para felicitar tanto a los ganadores como a los nominados, porque, aunque suene a tópico, cualquiera se merecía el reconocimiento del premio. Además de las catorce categorías que ya conocéis, anunciamos los ganadores de los dos premios especiales, instaurados por primera vez este año y decididos por el equipo de redacción de Acid Jazz Hispano: el Premio a toda una carrera y el Premio La Revancha Del Jazz a la aportación radiofónica. Ver ganadores.

III PREMIOS ACID JAZZ HISPANO 2007 - ¡LOS NOMINADOS!

2008-02-05T09:13:00.001-08:00

Por tercer año, y puntuales como siempre, la web Acid Jazz Hispano quiere premiar lo mejor de los últimos doce meses, de modo que convoca a todos los usuarios para que participen en los III Premios Acid Jazz Hispano. Vosotros sois los que decidís quién gana en cada una de las catorce categorías, incluyendo mejor disco, mejor tema, mejor compilación, mejor sello, mejor sala, mejor festival, mejor revista... Ya tenemos los nominados, así que ahora sólo falta que os volquéis en la segunda ronda para votar por vuestro favorito en cada categoría. Tenéis hasta el 29 de Febrero para votar, y los ganadores se conocerán en la primera semana de Marzo. ¡A participar!

Nina Simone

2008-02-05T09:07:00.000-08:00

Nina Simone es una figura esencial en la historia del jazz y, más concretamente, una de esas vocalistas inolvidables cuya voz se asocia a clásicos inmortales, a versiones definitivas. No obstante, fue también una notable compositora y pianista. Nacida en Tryon (North California), el 21 de Febrero de 1933, con el nombre de Eunice Waymon, aprendiendo a tocar el piano a los cuatro años, llegando a estudiar en la Julliar School of Music, en Nueva York, algo poco común para una mujer negra en aquella época. Empezó a trabajar como pianista de acompañamiento, hasta conseguir un trabajo en un local de Atlantic City: aunque se ofreció como pianista, le dijeron que tenían que cantar también para obtener el puesto, y así es como, en 1954, cambia su nombre por Nina Simone (por la actriz francesa Simone Signoret), y debuta como cantante. En 1957 edita su primer álbum, Little girl blue, para el sello Bethlehem, en el que confirma su talento, en su triple faceta de cantante, compositora y pianista.

Gracias a la notoriedad alcanzada con sus primeros trabajos, actúa en festivales y salas de importancia, como el Town Hall, el Carnegie Hall o el Newport Jazz Festival, consiguiendo también un contrato con el sello Philips, para el que grabará una decena de álbumes. En 1963, cuando cuatro niños negros ason asesinados en una iglesia de Birmingham, escribe el tema Mississippi Goddam, una acusación a la situación de la comunidad negra en Estados Unidos, una pieza cargada de fuerza que, irremediablemente, nos lleva a lamentar que no compusiera temas con mayor frecuencia. Finalizada su época en Philips, con al edición del álbum High priestess of soul (uno de sus apodos), firma por RCA, iniciando esta nueva época con Nina Simone sings the blues (1967), su mayor obra maestra. En esos años también grabará trabajos tan destacados como el sorprendente Nina Simone and piano o Emergency War!

En 1974, sintiéndose manipulada y disgustada con las compañías de discos y el rascismo, deja Estados Unidos por Barbados, iniciando un periodo de su vida nómada, instalándose también en París, Suiza, Inglaterra, Liberia y Holanda, hasta asentarse definitivamente en el sur de Francia, donde murió. De esa época data el álbum Baltimore (1978 ). Su siguiente trabajo, Fodder on my wings, se graba en París, en 1982, con temas escritos y arreglados por ella, con su interpretación del piano y cantando en inglés y francés. Dos años después, su concierto en Ronnie Scott (Londres), es grabado, de modo que se conserva un emotivo documento visual que incluye al batería Paul Robinson. Contemporáneamente, uno de sus primeros temas, My baby just cares for me, se convierte en un hit gracias a su inclusión en una película, consiguiendo que Nina Simone sea redescubierta y vuelva a actuar en los mejores escenarios de todo el mundo.

En 1990 publica su autobiografía, I put a spell on you, que desde entonces ha sido traducida a un gran número de lenguas. Tres años después graba un nuevo álbum de estudio, A single woman, y el film Point of no return incluye hasta cinco temas suyos, lo que, evidentemente, contribuye a aumentar su popularidad. Durante la segunda mitad de los noventa sigue actuando con regularidad en todo el mundo, participando en festivales como el Nice Jazz Festival, el Thessalonica Jazz Festival o el Guinness Blues Festival. También recibe varios premios en Estados Unidos, entre ellos el Diamond Award for Excellence in Music, y la ciudadanía honoráfica de Atlanta, ambos en el 2000. El 21 de Abril, tras una larga enfermedad, muere en Carry-Le-Rouet, una localidad del Sur de Francia y, siguiendo su deseo, sus cenizas son distribuidas por varios países africanos. Desde entonces, prácticamente todos sus álbumes han sido reeditados, de modo que su música sigue inspirando a músicos actuales y sigue siendo descubierta por nuevas generaciones. En el 2006, RCA lanza el proyecto de remezclas Remixed & reimagined.

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para http://www.acidjazzhispano.com/

Herbie Hancock

2008-02-05T09:06:00.000-08:00

Herbie Hancock es una de las mayores figuras de la historia del jazz, destacado, sobre todo, por ser uno de los pioneros del estilo denominado fusion, uno de los que con más acierto fusionaron jazz, funk y r&b. Compositor, teclista y líder de formación, ha sabido compaginar una brillante carrera en solitario, movido por una continua evolución, por la constante experimentación, con colaboraciones con algunos de los más importantes jazzmen. En este sentido, será recordado como uno de los integrantes del quinteto de los 60 de Miles Davis, lo que le permitió participar en la grabación de obras maestras como Miles smiles o In a silent way.

Nacido en Chicago en 1940, Hancock fue un niño prodigio, capaz de interpretar un concierto de Mozart para piano y orquesta con sólo once años. Pronto se interesó por el jazz, influenciado por Oscar Peterson y Bill Evans, hasta que, con 20 años, fue descubierto por el trompetista Donald Byrd. Tras dos años como músico de estudio con Phil Woods y Oliver Nelson, entre otros, firmó por Blue Note, debutando como líder con Takin’ off, álbum que fue un éxito y que incluye el hit Watermelon man. Fue entonces cuando fue contratado por Miles Davis como miembro de su legendario quinteto, la mejor formación de los 60, con la que grabó algunos de los álbumes más importantes de la historia del jazz. Paralelamente, siguió con su carrera en solitario, editando trabajos clásicos como Maiden Voyage, Empyrean Isles o Speak Like a Child, además de componer la banda sonora para el film Blow up, del italiano Michelangelo Antonioni.

Tras separarse de Miles Davis a finales de los 60, se centró en la nueva corriente de jazz eléctrico iniciada con Bitches brew, experimentando la fusión del jazz con otros estilos como el funk, el soul, el r&b… Formó la banda Headhunters, con la que grabó el gran disco Head hunters, uno de los imprescindibles del jazz-fusión, y uno de los más vendidos del jazz (el primer en ser disco de platino). A lo largo de los 70 prácticamente todos sus álbumes fueron éxitos, entrando incluso en las listas de ventas pop. En los 80, Herbie descubrió al mundo al trompetista Wynton Marsalis, produciendo su álbum debut. En 1983 colaboró con Bill Laswell en dos trabajos, Future Shock y Sound System y el resto de la década se centró en la música para cine, componiendo las bandas sonoras de filsm como Round midnight (que le valío un Oscar), Colors, Jo Jo Dancer, Action Jackson y Harlem Nights.

En los 90, curiosamente, el acontecimiento más destacado fue que Geoff Wilkinson aka Us3 utilizó un sample de su tema Cantaloup Island, convirtiéndolo en Cantaloup (flip fantasia), uno de los mayores éxitos de 1993, que convirtió el álbum en el que estaba incluido, Hand on the torch, en uno de los más vendidos de Blue Note. En 1994, Hancock firmó por Polygram Label Group, formando un grupo de estrellas con el que grabó The new standard. En 1997 editó 1+1, un dúo con Wayne Shorter, y un año después reunió a Headhunters para grabar un disco en su propio sello, distribuido por Verve. Pero el trabajo más recordado de aquella década fue Gershwin's World, en el que participaron músicos como Joni Mitchell, Stevie Wonder, Kathleen Battle, The Orpheus Chamber Orchestra, Wayne Shorter y Chick Corea, homenajeando a George Gershwin.

En 2001 editó Future2future, creado junto a Bill Laswell, en el que colaboró con jóvenes artistas de la escena techno y hip hop, y un año después Directions in Music: live at Masse Hall, grabado junto a Roy Hargrove y Michael Becker. Su último tabajo de estudio hasta la fecha, Possibilities, llega a las tiendas en Agosto del 2005, y cuenta con las colaboraciones de Sting, Annie Lennox, John Mayer, Christina Aguilera, Paul Simon, Joss Stone, Damien Rice y Carlos Santana, entre otros. También volvió a recuperar Headhunters, pero con formación renovada: los guitarristas John Mayer y Lionel Loueke, el contrabajista Marcus Miller, el batería Terri Lyne Carrington, el trompetista Roy Hargrove y el percusionista Munyungo Jackson.

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para http://www.acidjazzhispano.com/

Wayne Shorter

2008-02-05T09:05:00.002-08:00

Wayne Shorter, saxofonista, arreglista, compositor y líder de grupo, está considerado como uno de los grandes de la historia del jazz. Pero es que no puede ser de otra manera cuando ha formado parte (especialmente activo como compositor, además), de formaciones como los Jazz Messengers de Art Blakey, del segundo quinteto de Miles Davis y, ya en los 70, del grupo de fusión Wheather Report. Su carrera como líder es igualmente brillante, tan prolífica como interesantes en los 60, inmersa en la fusión en los 70, algo más floja en los 80 y, de nuevo, a partir de mediados de los 90, fascinante y siempre innovadora. En cualquier caso, su discografía es muy recomendable para cualquier amante del jazz y, prácticamente, muestra la evolución del jazz desde los 60, al menos en su principal corriente. Se ha discutido mucho sobre si su aportación musical ha sido más importante como saxofonista (tenor y soprano) o como compositor, pero lo cierto es que si como intérprete muchos críticos han señalado la alargada sombra de John Coltrane (al menos durante la primera mitad de los 60, porque luego cualquier comparación hubiera sido injusta), en calidad de compositor su originalidad e innovación ha sido siempre reconocida. Por algo ha sido llamado el hombre de las ideas de Miles Davis, ya que era él quien componía buena parte de los temas para su quinteto. Sin duda, una de las figuras imprescindibles del jazz.

Nacido en Newark, Nueva Jersey, el 25 de Agosto de 1933, descubrió el jazz a los 15 años, al escuchar a Lester Young en un espectáculo de los denominados Norman Granz Jazz at the Philharmonic (Norman Granz es el fundador de Verve). En ese concierto escuchó también a Stan Kenton, Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Russell Jacquet… Al acabar, el joven Shorter dijo: “consígueme un clarinete”. A los 16 tuvo el primero y empezó a estudiar música. Tras optar por el saxo tenor, formó un grupo en Newark, The Jazz Informers, lo que le permitió compartir escenario con la banda de bebop Jackie Bland Band. Estudió en la universidad de Nueva York al tiempo que se interesaba por la rica escena jazz de Manhattan. Tras graduarse, trabajó con Johnny Eaton en sus Princetonians, ganándose el alias de “the Newark flash” por su velocidad tocando el saxo. Ya estaba creando su personalidad como intérprete cuando tuvo que cumplir el servicio militar. A la vuelta, en 1958, trabajó brevemente con Horace Silver para posterioremente tocar con John Coltrane y Sonny Rollins. En 1959 formó parte de la Maynard Ferguson big band, se embarcó en los Jazz Messengers en Agosto del mismo año y debutó como líder en el sello Vee Jay con Introducing Wayne Shorter. En 1964, el mismo año en el que Miles Davis le convenció para que se uniera a su formación, debutó en Blue Note con Night dreamer, al que seguirían álbumes como Juju y Speak no evil (1964), The soothsayer, Et cetera y The all seeing eye (1965), Adam’s apple (1966), Schizophrenia (1967), Super nova (1969) y Odissey of Iska (1970), todos para Blue Note.

En 1970 fundó, junto al teclista Joe Zawinul, el grupo Weather Report. Con este conjunto grabó una decena de álbumes durante los 70 y parte de los 80, hasta su disolución en 1985. Entre tanto, siguió grabando en solitario, aunque menos asiduamente. En los 70 llegaron Moto grosso feio (1970) y Native dancer (1974), y en los 80, tras la separación de Weather Report, Atlantis (1986), Phantom Navigator (1987) y Joy Ryder (1988 ), los tres para Columbia. Su carrera se relanzó al comenzar su etapa en Verve, que comenzó con High life, de 1995, su último disco eléctrico hasta el momento. Dos años después grabó un dúo (enteramente acústico) con Herbie Hancock en 1+1, también para Verve. En el 2001 formó un cuarteto completado por Danilo Perez (piano), John Patitucci (contrabajo) y Brian Blade (batería), con el que estuvo de gira aquel año y los siguientes, inmortalizando algunos de sus directos en el álbum Footprints live! (2002). Alegria data del 2003 y Beyond the sound barrier del 2005. En el 2007 recibe el premio Donostiako Jazzaldia en el 42 Heineken Jazzaldia.

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para http://www.acidjazzhispano.com/

Dave Holland

2008-02-05T09:05:00.001-08:00

Dave Holland, uno de los contabajistas contemporáneos de jazz más destacados, nació en Wolverhampton (Inglaterra), el 1 de Octubre de 1946. Desde temprana edad se interesó por la música, tocando el ukele a los 4, la guitarra a los 10, y el bajo a los 13. Ya en la adolescencia, tras dejar la escuela para ganarse la vida como músico, empieza a escuchar jazz, descubriendo la obra de bajistas como Ray Brown o Leroy Vinnegar. Se hace entonces con un contrabajo y empieza a estudiar. Acude a locales de jazz con su instrumento, hasta que le ofrecen un empleo en una formación de un centro vacacional, para posteriormente formar parte de una big band que acompañaba al cantante Johnny Ray. En 1964, tras mudarse a Londres, es admitido en la Guildhall School: el segundo año es el principal bajista en la orquesta de la escuela. En 1966 trabaja con músicos como John Surman, John McLaughlin, Evan Parker, Kenny Wheeler, John Taylor o Chris MacGregor, además de trabajar para la radio, el cine y la televisión.

Su carrera da un salto cualitativo en 1967 cuando, en una de sus actuaciones en Ronnie Scott (junto a jazzmen como Coleman Hawkins, Ben Webster o Joe Henderson), es escuchado por Miles Davis, que le pide que se una a su banda. Durante dos años actua con el trompetista frecuentemente y participa en la grabación de dos álbumes clave de la historia del jazz: Bitches brew e In a silent way. En 1970 forma, junto a Chick Corea, Anthony Braxton y Barry Altschul, el grupo Circle, tras su disolución, dos años después, se une al grupo de Stan Getz, e inicia la que iba a ser una larga relación musical con Sam Rivers (además de haber trabajado con Thelonious Monk). En 1972 se produce su debut discográfico como líder, el aclamado y muy recomendable Conference of the Birds, aunque un año antes había grabado Music from two basses (1971, ECM), a dúo con Barre Philips. Durante la segunda mitad de los 70, colabora con Anthony Braxton, Sam Rivers y Betty Carter, forma el trío Gateway (junto a John Abercrombie y Jack DeJohnette) y graba el álbum Emerald Tears.

En los 80 edita el disco Life Cycle y pone en marcha su primera formación, originalmente con Kenny Wheeler, Julian Priester, Steve Coleman y Steve Ellington, con las posteriores incorporaciones de Marvin "Smitty" Smith y Robin Eubanks. Este conjunto grabó los interesantes álbumes Jumpin' In, Seeds of Time y The Razor's Edge, y estuvo de gira hasta 1987. En 1988 graba, como trío (con Jack DeJohnette y Steve Coleman), el trabajo Triplicate, y edita dos discos a dúo con Hank Jones, uno de ellos también con Billy Higgins. Ese mismo año crea un nuevo conjunto (integrado por Steve Coleman, Kevin Eubanks y Marvin "Smitty" Smith), con el que graba el excelente larga duración Extensions.

En 1990 estuvo de gira con Parallel Realities, una formación de Jack DeJohnette con Herbie Hancock y Pat Metheny, y participó en el álbum Question and Answer, junto a Metheny y Roy Haynes. En 1992 actuó regularmente con el trío de Herbie Hancock y grabó So Near, So Far. En 1993 edita su segundo disco en solitario, Ones all, y un año después el disco en directo Feed the Fire, junto a Betty Carter, Geri Allen y Jack DeJohnette. Los trabajos Homecoming y Dream of the Elders llegan a las tiendas en 1994 y 1995 respectivamente, y un año después participa en los álbumes Tales from the Hudson, de Michael Brecker, The New Standard, de Herbie Hancock y The Child Within, de Billy Childs.

En 1997 crea un nuevo quinteto, con Steve Wilson, Robin Eubanks, Steve Nelson y Billy Kilson, con el que edita los exitosos trabajos Points of View (1998 ) y Prime Directive (2000). Desde entonces su discografía ha seguido creciendo con Not for nothin’ (2001), What goes around (2002), Extended play: live at Birland (2003), Overtime (2005) y Critical mass (2006).

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para http://www.acidjazzhispano.com/

John Coltrane

2008-02-05T09:04:00.000-08:00

John Coltrane es uno de los mejores y más revolucionarios (junto a Charlie Parker) saxofonistas de la historia del jazz. Se hizo popular formando parte del quinteto de Miles Davis para posteriormente emprender una brillante carrera en solitario. Suyo es A love supreme, el álbum clave del free jazz y uno de los más importantes de los editados en el siglo XX. Murió prematuramente a finales de los 60, pero su influencia y legado perdura en casi todos los saxofonistas posteriores. Por otra parte, de no ser por su innovador y experimental trabajo (como intérprete, compositor y líder de su proprio conjunto), el jazz no tendría nada que ver con el que conocemos actualmente. Es, evidentemente, uno de los grandes jazzmen, de los que todo aficionado debe conocer.

Hijo de John R. Coltrane y de Alice Coltrane, nació en Hamlet, el 23 de Septiembre de 1926. En 1939, tras su graduación y la muerte de su padre, abuelos y tío, se unió a una formación musical, aprendiendo a tocar el clarinete y el saxo. En 1943 se mudó a Filadelfia, consiguiendo trabajos no relacionados con la música. Eso sí, ingresó en la Ornstein School of Music y empezó a tocar en clubs locales. Tras ser reclutado para la armada, volvió a Filadelfia en el verano de 1946, formando parte de la Joe Webb Band, y, posteriormente, de la King Kolax Band y la Jimmy Heats Band (que pasó a llamarse la Howard McGhee All Stars), hasta 1949, año en el que se unió a la big band liderada por Dizzy Gillespie. A principios de los 50 sufrío una adicción a la heroina, lo que, evidentemente, repercutió negativamente en su carrera. En 1954 fue contratado por Johnny Hodges, aunque en Septiembre de ese mismo año fue despedido por su drogadicción. Afortunadamente, su carrera dio un salto cualitativo cuando Miles Davis le incluyó en su quinteto (que se completa con el pianista Red Garland, el contrabajista Paul Chambers y el batería “Philly” Joe Jones). Con este quinteto grabó álbumes tan destacados como The new Miles Davis Quintet, Cookin', Steamin', Workin’, Relaxin' (todos para el sello Prestige) y Round about midnight (el debut en Columbia).

En 1956, debido a sus continuos problemas con las drogas, fue despedido por Davis, lo que le ayudó a dejarlo definitivamente. Así, en 1957, debutó finalmente como líder, creando una banda con el trompetista Johnny Splawn, el saxofonista Sahib Shihab, los pianistas Mal Waldron y Red Garland, el contrabajista Paul Chambers y el batería Al “Tootie” Heath. El primer trabajo se tituló Coltrane y lo editó Prestige. Ese año se unió al Thelonious Monk Quartet y, en años sucesivos, siguió grabando álbumes para Prestige o Blue Note. En 1958 volvió a actuar con Davis, en el Newport Jazz Festival, un directo editado posteriormente en el álbum Miles & Monk at Newport (1964). Tras varios álbumes para Prestige, firmó por Atlantic Records, debutando con el LP Bags and Trane, y grabó con Davis la obra maestra Kind of blue.

A principios de los 60 grabó frecuentemente para Atlantic Records, material editado en bastantes discos, e incorporó a su formación al contrabajista Reggie Workman y al flautista Eric Dolphy. Gracias al éxito obtenido con My favourite things, firmó por Impulse! Records (actualmente perteneciente al Verve Music Group, pero por entonces filial de ACB-Paramount). En su nuevo sello siguió grabando con la misma frecuencia que le caracterizaba, reuniendo más material del que podía editarse, de ahí que, tras su muerte, durante años siguieran llegando al mercado grabaciones inéditas. De esa época destacan discos como Impresssions (1963), Live at Birdland (1964), Crescent (1964) y, sobre todo, A love supreme (1964) y Ascension, el que posiblemente sea su gran trabajo y punto culminante del free-jazz. En 1966 editó Kulu se mama y Meditations, el último de los que llegaron a las tiendas en vida, aunque dió la aprobación a su último álbum, Expression, días antes de su muerte. A partir de entonces, Impulse! editó varios discos más, algunos de ellos excelentes, y salieron a la luz muchas grabaciones en vivo.

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para http://www.acidjazzhispano.com/

Miles Davis

2008-02-05T08:50:00.000-08:00

Miles Davis es, junto a Louis Armstrong, la gran figura del jazz, y no me refiero sólo a su popularidad (es conocido incluso por aquellos que nunca han escuchado uno de sus álbumes, es un icono de la música), sino a que ambos lo hicieron avanzar. Claro que, en el caso de Davis, se puede afirmar que lo revolucionó, hasta tres veces además. De hecho, desde finales de los 40 hasta principios de los 70 (y hay quien lo alargaría hasta dos décadas más), encabezó cada innovación del jazz. Fue el creador del cool jazz, el estilo que mejor se adapta a su manera de tocar la trompeta (al menos más que el bebop), a finales de los 50 introdujo el jazz modal (que se basa, para la improvisación, en escalas y no en acordes) y, finalmente, en 1969, ofreció la primera fusión válida de jazz y rock, iniciando asi el estilo conocido como Fusion. A partir de entonces, su carrera no fue tan brillante, aunque en los 80 siguió experimentando, influenciando a la escena electrónica y hasta siendo uno de los pioneros en la fusión de jazz y rap. Por eso existe la opinión de que el jazz ha dejado de evolucionar a partir de su muerte (1991), aunque yo creo que eso no es del todo cierto teniendo en cuenta que el nu-jazz, sobre todo a partir de la segunda mitad de los 90, ha iniciado una nueva evolución, gracias a St. Germain, Matthew Herbert y compañía. En cualquier caso, lo que está claro es que escuchar la discografía de Davis es imprescindible para conocer la historia del jazz, es decir, la historia de la música del siglo XX.

Nacido en Alton (Illinois), el 26 de Mayo de 1926, hijo de Dr. Miles Dewey Davis, Jr. y Cleota Mae Davis (profesora de música), se interesó pronto por la música, recibiendo clases de trompeta desde los 12 y tocando en grupos locales de R&B. Tras poder formar parte de la big band de Billy Ekstine, en la que tocaban Dizzy Gillespie y Charlie Parker (los dos representantes del bebop), se mudó a Manhattan para ingresar en el Institute of Musical Art in New York City (el conocido como Julliard), pero asistió poco a clase porque prefirió tocar junto a Charlie Parker, algo que me parece muy sensato: estoy convencido de que se aprende más durante una hora con “Bird” que en varios años de clases, por bueno que sea el profesor. Gracias a esos años junto a maestro, mejoró como intérprete, precisamente porque la velocidad del bebop exigía notables competencias técnicas.

Posteriormente formó un noneto, integrado por, entre otros J.J. Johnson, Lee Konitz, Gerry Mulligan, John Lewis y Max Roach, con el que grabó doce temas para Capitol, con arreglos del gran Gil Evans, unas grabaciones de 1949 que no serían editadas hasta 1957, conformando la obra maestra Birth of the cool. Esas grabaciones, no obstante, fueron enormemente influyentes, dando lugar al estilo conocido como cool jazz. La primera mital de los 50 fue una época oscura para Davis, debido a su adicción a la heroina, de la que no se liberó hasta mediados de la década, cuando formó su primer quinteto, formado por el saxofonista John Coltrane, el pianista Red Garland, el contrabajista Paul Chambers y el batería Philly Joe Jones, con el que grabó una serie de discos para el sello Prestige: The new Miles Davis Quintet, Cookin', Steamin', Workin’ y Relaxin'. Tras esta etapa, y tras impresionar con su interpretación de Round about midnight en el Newport Jazz Festival de 1955, consiguió un contraro con la major Columbia (que duraría treinta años), para la que grabó Round about midnight, seguido de una nueva colaboración con el arreglista Gil Evans, en Miles ahead. Sumó al saxofonista Cannonball Adderley, creando un sexteto con el que grabó Milestone (1958 ) y el que habitualmente se considera el mejor, más conocido y más vendido álbum de jazz: Kind of blue. Además, editó otras dos inolvidables colaboraciones con Gil Evans: Porgy and Bess y Sketches of Spain. Entre tanto, en uno de sus viajes, creó la banda sonora para el film Ascenseur pour l'echafaud, de Louis Malle.

Ya en los 60 formó un nuevo quinteto, esta vez con el saxofonista Wayne Shorter, el pianista Herbie Hancock, el batería Tony Williams, y el contrabajista Ron Carter. Con esta formación experimentó con el free jazz e introdujo el jazz modal que ya había desarrollado en Kind of blue. A finales de los 60 comienza a usar instrumentos electrónicos, utilización que culmina en dos álbumes de jazz-rock, Bitches brew e In a silent way, con los que nace la Fusion, y en los que participan Chick Corea, Herbie Hancock, John McLaughlin, Wayne Shorter o Joe Zawinul, entre otros. En los 70 tiene que interrumpir sus grabaciones y apariciones en directo por un accidente, y no volverá hasta 1980. Acostumbra a actúar de espaldas al público y alternando el piano y la trompeta, mientras que su trabajo de estudio sigue siendo tan experimental, aunque no sea ni tan mainstream ni, sobre todo, tan convincente. Claro que esta última etapa de su carrera (muere en 1991) todavía necesita de la perspectiva temporal para ser apreciada correctamente. Es muy posible que en unos años algunos de sus discos de los 80 adquieran el estatus de obras maestras como lo son sus grabaciones de décadas anteriores. Eso sí, hasta el final estuvo impulsando el jazz hacia adelante, como siempre, y está por ver quién será el nuevo Miles Davis (si es que hay uno), esa figura que vuelve a revolucionar la música durante décadas.

Escrito por Santiago Tadeo Cervera para http://www.acidjazzhispano.com/